KAMAL NAWIE x SORFINA ZULAIKHA | GALERI PIYADASA | 28 JANUARI – 17 FEBRUARI 2023
PASUKAN EDITORIAL
Pengurus Manager Galeri Seni Piyadasa
Dr. Simon Soon
Kurator Curator
Mohd Iqbal Badaruddin
Penulis Author
Dzul Afiq Zakaria | Nur Amira Hanafi | Nawapooh Sae-tang | Liu Jie | Ali Alasri
Pengkarya Artist
Kamal Nawie | Sorfina Zulaikha
Special Write-up
Syahrizal Pahlevi | Mikke Susanto
Penulisan atas talian Online write-up
Mohd Shahrul Hisham Ahmad Tarmizi | Nik Mohammad Wafiy Bin Azmi
Pembantu Penulis Asst.Writer
Ahmad Hakim Abdullah
Grafik & Dokumentasi Graphic & Documentation
Raja Shamir Izwan Raja Sharuddin
Fotografi Photography
Mohd Radzy Omar
Ilustrasi Muka Depan Cover Page
Raja Shamir Izwan Raja Sharuddin
Teknikal Technical
Mohd Fairuz Paisan And Team
Dicetak oleh:
FIRDAUS PRESS SDN BHD | https://www.firdauspress.com
28, Jalan PBS 14/4, Taman Perindustrian Bukit Serdang, 43300 Seri Kembangan, Selangor
No. ISBN ISBN Number
© 2023 HAKCIPTA TERPELIHARA
Penerbit
Al Gazel Studio (kt0415251-T) Tmn Desa Bkt Ilmu, Machang, Kelantan D.N
www.algazellightstudio.weebly.com email: algazel_lightstudio@yahoo.com / algazelstudio@gmail.com
Penerbit Bersama
Galeri Piyadasa, Jab. Seni Visual, Fakulti Seni Kreatif, Universiti Malaya, KL
Tidak dibenarkan mencetak semula, menjual atau mengulang artikel atau menerbit semula karya-karya yang telah dicetak didalam buku pameran Konta: Kamal Nawie x Sorfina Zulaikha tanpa mendapat izin dari pihak Galeri Piyadasa, kurator pameran atau pihak Al- Gazel Studio. Sebarang maklumat yang diterbitkan dalam buku pameran ini adalah dari pihak pengurus, kurator dan penulis artikel bagi memudahkan para pembaca atau peminat hasil karya Kamal Nawie mahupun Sorfina Zulaikha menelaah dan membuat apresiasi secara langsung.
PRAKATA
Preface
Dr. Simon Soon, Pengurus Galeri Piyadasa, Fakulti Seni Kreatif
Melalui pemerhatian, ternyata kurator pameran Kontra kali ini tidak hanya mempamerkan karya-karya menarik dengan disiplin 2 dimensi dan 3 dimensi dari Kamal Nawie dan Sorfina Zulaikha. Kurator juga menjemput sahabat dari kalangan pelajar Jabatan Seni Visual, Fakulti Seni Kreatif untuk memberi sumbangan dalam bentuk penulisan. Penulisan yang dihasilkan merujuk kepada karya-karya yang dipamerkan di Galeri Piyadasa.
Hasil usahasama antara kedua orang pelukis, kurator dan rakan-rakan penulis ini sedikit sebanyak mempelbagaikan program di Galeri Piyadasa yang ketandusan pameran seni visual lebih-lebih lagi hasil karya dan hasil tulisan para pelajar Jabatan Seni Visual.
Maka inisiatif kurator mempelawa beberapa orang pelajar untuk bersama-sama memberi sumbangan dan secara tidak langsung mewujudkan aktiviti kebersamaan melalui pameran Kontra ini. Hal yang menarik adalah ia bukan berkait rapat dengan subjek yang didaftar tetapi sebaliknya. Sikap membina jaringan diantara mereka serta pelajar dari pelbagai bidang sepatutnya dijadikan satu budaya yang positif memandangkan masing-masing mempunyai komitmen peribadi termasuk tugasan kerja dalam pembelajaran.
Saya ucapkan tahniah kepada kurator dan mereka yang terlibat dalam pameran Kontra serta syabas kepada Kamal Nawie dan Sorfina kerana berjaya mempamerkan hasil ‘nukilan’ masing-masing. Semoga lebih banyak lagi usaha menghasilkan penulisan dari pelbagai perspektif diwujudkan diantara para pelajar di Fakulti Seni Kreatif !
PRINSIP KESAMAAN DAN PERBEZAAN
PRINCIPLE OF SIMILARITIES AND DIFFERENCES
Iqbal Badaruddin, Kurator pameran
Saya cuba mewujudkan kesamaan walaupun terdapat pelbagai aspek yang menunjukkan perbezaan yang ketara terhadap mereka yang terlibat dengan pameran ini. Walaupun umum mengetahui bahawa kontra itu jelas menunjukkan perbezaan antara satu aspek dengan yang lain, namun ia boleh mewujudkan kesamaan melalui sesuatu perkara. Pameran ini tidak hanya mempamerkan karya yang berbeza dari kedua orang pelukis (Kamal Nawie) dan pengarca (Sorfina Zulaikha) dengan disiplin yang berbeza, medium, saiz, gaya dan kaedah berbeza, termasuk latarbelakang, asal, umur, tempat tinggal, falsafah, prinsip, sehingga kepada perbezaan zaman yang mempengaruhi mereka berdua terjerumus ke dalam bidang seni visual.
I tried to create similarities despite the various aspects showing significant differences in this exhibition. Although it is common to know that the contrast indicates the difference between one aspect and another, it can create equality through a matter. This exhibition not only showcases the various works of the painter (Kamal Nawie) and the sculptor (Sorfina Zulaikha) with different disciplines, different mediums, sizes, styles and methods, including their background, origins, ages, places of birth, philosophy, principles, up to the differences of times that influenced both of them to fall in love to visual arts.
Oleh yang demikian, saya menjemput mereka berdua terutama Kamal untuk mempersembahkan hasil karya digelanggang yang berbeza. Mungkin sahabat yang berada dikawasan sekitar Lembah Klang dapat menelaah dan menyantuni karya Kamal yang sebelum ini dipamerkan secara maya di platfom media sosialnya.[1] Diharap pameran ini dapat memberi ruang dan peluang kepada Kamal dan Sorfina untuk mempromosikan bakat mereka melalui hasil karya masing-masing. Boleh jadi selepas ini mereka berdua ingin menghasilkan karya dalam bentuk yang berbeza.
Therefore, I invited the two of them, especially Kamal, to present the work in a different location (gallery). Perhaps his colleagues who are staying in the Klang Valley area can spend some time studying and supporting work which was previously displayed virtually on his own social media platform. Hopefully, this exhibition will provide space and opportunity for Kamal and Sorfina to promote their respective works. It might be that after this they both can try to produce artwork in different forms.
Malah saya juga menjemput sahabat-sahabat dari Jabatan Seni Visual, Fakulti Seni Kreatif untuk bersama-sama menghasilkan dan memberi sumbangan dalam bentuk penulisan sebagai salah satu kaedah kami berdiskusi, beramah mesra, bergabung, bersantai, bersembang, berkompromi dan sebagainya di dalam satu pameran. Walaupun dihimpit dengan komitmen
[1] Pameran terdahulu: Pameran Kartun Rakyat: Kamal Nawie, Ogos – September 2022, sempena KB Creative Week, Galeri Kotak Seni, KB, Kelantan D.N.
peribadi, masing-masing selesa dengan kaedah ini, iaitu bersetuju untuk memberi sumbangan penulisan melalui pameran Kontra: Kamal x Sorfina. Masing-masing mempunyai latar kajian yang juga berbeza serta mempunyai gaya penulisan tersendiri. Akhirnya penulisan dari mereka digabung didalam sebuah buku pameran sebagai tanda sokongan kepada saya dan kedua orang perngkarya (Kamal dan Sorfina).
In fact, I’m also invited my friends from the Department of Visual Arts, Faculty of Creative Arts, to come together to produce and contribute in the form of writing as one of our methods of discussion, commentary, participating, relaxing, chatting, compromising and etcetera in this exhibition. Although packed with personal commitment, each of them seems comfortable with this method, that is, agreeing to contribute writing through Kontra: Kamal Nawie x Sorfina exhibition. Each has a different background and its writing style. Finally, their writing writing of them was incorporated in an exhibition book as a sign of support to me and the two artists (Kamal and Sorfina).
KARTUN KAMAL DAN KISAH KLASIK – KOSMOLOGI MASYARAKAT LOKAL
KAMAL’S CARTOON AND CLASSIC STORIES – LOCAL COMMUNITY COSMOLOGY
Saya mengkagumi hasil karya dari Kamal Nawie (nama sebenar Isma Aliff) dengan gaya lukisan bersahaja namun disuntik dengan elemen humor. Kamal banyak merujuk kisah peribadi dan masyarakat sekelilingnya dengan mengimbas kembali pengalaman, peristiwa dan situasi yang pernah dilihat, didengari dan dihadapi oleh beliau. Namun kamal tidak pernah menyatakan bahawa watak budak lelaki dalam karya-karya beliau merujuk kepada dirinya. Dia hanya mengatakan bahawa watak budak lelaki tersebut adalah watak fiksyen sama seperti watak lain dalam karya lukisannya.
I admired the work of Kamal Nawie (Isma Aliff) with its understated watercolour painting style yet injected with an element of humour. Kamal referred to many of his personal stories and the surrounding community by recalling the experiences, events and situations he has seen, heard and faced. Yet Kamal never stated that the character of a boy in his works refers to himself. He said that the boy's character is fictional, just like any other character in his painting.
Dalam perbincangan kami berdua, masing-masing selesa berkongsi kepercayaan kosmologi masyarakat lokal dengan pelbagai jenis ragam dan karenah manusia, sikap, aktiviti dan nilai budaya yang unik. Kamal contohnya berkongsi cerita tentang peranan warna merah, biru, kuning, hitam serta reka corak yang terdapat pada perahu tradisional (menangkap ikan) di kawasan Pulau Gajah berdekatan kampungnya.[2] Setiap satu lapisan warna dan reka corak motif tersebut mempunyai makna dan falsafah tersendiri. Namun Kamal hanya mendokumentasi perahu tradisional jenis Buatan Barat (dan perahu biasa) yang diambil kaedah dan teknologi pembuatan dari selatan Thai seperti Pattani. Menariknya, dekorasi dan warna yang terdapat pada setiap
[2] Pada masakini kebanyakan perahu tradisional telah dilengkapi dengan mesin enjin motor Outboard dengan pelbagai jenis jenama dan model antaranya seperti Yamaha Offshore, Suzuki 350a, Verado, Mercury Racing 450 dan sebagainya (hanya menyatakan beberapa jenis model).
bahagian perahu tradisional ini dipercayai mendapat pengaruh dari kepercayaan Hindu-Buddha (yang masih diamalkan), yang mempunyai semangat agar ia (perahu) dapat terus dijaga dan dianggap ‘bertuah’ ketika berlayar, menangkap ikan ataupun sebagai tatapan dan rujukan generasi seterusnya. Antaranya motif dekorasi seperti motif Bangau, Okok, Caping, Sangga dan motif sekunder lain (Rujuk gambarajah 1).
In our discussion, both are comfortable sharing the cosmological beliefs of the local community with a wide variety of human beings, attitudes, activities and unique cultural values. Kamal for example shared stories about the role of red, blue, yellow, and black and the design of patterns found on traditional boats (fishing) in Pulau Gajah area near his village. Each layer of colour and the creation of the motif pattern has its meaning and philosophy. But Kamal only documented traditional Western-made boats (and ordinary boats) that were manufactured in southern Thailand, such as Pattani. Interestingly, the décor and colours found on each part of the traditional boat are believed to be influenced by the Hindu-Buddhist beliefs (which are still practised), which has the spirit that the boat can continue to be ‘protected’ and considered 'lucky' when sailing, fishing or as a view and reference to the next generation. An example of decorative motifs such as the motif of Bangau, Okok, Caping, Sangga and other secondary motives (Refer to fig. 1).


Gambarajah 1: Bira Sungai 1 (Riverside), 2020, Cat air atas kertas.
Figure 1: Bira River 1 (Riverside 1), 2020, Watercolor on paper.
Maka Kamal menterjemahkan beberapa lagi kepercayaan masyarakat lokal disekelilingnya dalam bentuk lukisan 2 dimensi. Antaranya seperti situasi ketika hujan dan banjir, suasana berkumpul, mencari hasil laut ditepi sungai, berjualan dipasar terapung, membela dan memelihara haiwan, tulisan mendapat tuah (mandarin), dapur arang, menyabit rumput dan pelbagai macam ragam lagi. Namun disebalik tuah dan pantang larang yang diamalkan oleh masyarakat sekeliling ini, ia secara tidak langsung menunjukkan perasaan mereka melalui raut wajah yang dikartunkan oleh Kamal seperti perasaan gembira, rindu, kelakar, kenangan, segan-silu, merendah diri, bersyukur, terkejut mahupun pelik. Boleh jadi juga watak kanak-kanak yang divisualkan oleh Kamal adalah ‘semangat’ kepada watak orang dewasa, orang tua mahupun objek dalam karya-karya beliau. Saya berkata demikian kerana perbincangan bersama Kamal sebelum ini tentang watak budak lelaki tersebut.
Kamal translated some of the local community's beliefs around him into of a two-dimensional watercolour painting. For instance, the situation when it rains and floods, the gathering hype, the search for sea products by the riverside, the floating market, animals petting, writing a bit of good luck (in mandarin), charcoal stoves, sculpting grass and many more. However, despite the good luck and taboos practised by the surrounding community, it indirectly shows their feelings through the facial expressions cartooned by Kamal, such as happy, remembering, funny, memories, shyness, humility, gratitude, surprise and strange. It may also be that the children's characters visualized by Kamal are the 'spirits' (caretakers) among the adults, parents and even objects in his works. I said this because of a discussion with Kamal earlier about the character of a boy he drew.
Melalui pemerhatian saya, memori yang divisualkan oleh Kamal bukan sahaja pengaruh sekeliling dan nilai budaya masyarakat setempat, namun kepercayaan masyarakat lokal ditempatnya yang masih ‘lekat’ dengan kuat sehingga kini. Boleh jadi kesan politik semasa, kepercayaan tertentu ini nampak unik tetapi masih dipraktikkan dan sukar untuk ‘tenggelam’ dalam tempoh 10-20 tahun lagi.[3] Maka itu juga menunjukkan kontranya, kerana walaupun ditadbir berlandaskan syariah, jangan pula dekorasi tersebut ‘dipadam’ sewenangnya.
Through my observations, memories that was visualized is not only influenced by the surrounding and the cultural values of the local community, but the beliefs of the people in the society that are still firmly attached to the previous generation. It can be the current political impact, this belief seems unique but is still practiced, and difficult to 'sink' for the next 10-20 years. Thus, it showed ‘contrast’, due to Islamic sharia (law), the practice should be unrestricted.
SORFINA DAN ARCA SERAMIK ALAMnya (DAN MANUSIA)
SORFINA AND HER CERAMIC SCULPTURES OF NATURE (AND MAN)
Sama seperti mana-mana pameran yang dianjurkan dibawah sesebuah institusi pengajian tinggi atau universiti awam, ketika proses bertukar dan berbalas mesej dengannya, Sorfina agak tenang dan happy-go-lucky. Sorfina seakan faham dengan pameran tipikal ini adalah seperti kebiasannya. Saya bersetuju namun perbezaan jelas disini adalah lokasi gelanggang dengan view dari pelbagai pihak termasuk para pelajar antarabangsa dari peringkat pasca siswazah.
Like any exhibition organized under a higher education institution or a public university, during the process of exchanging and responding to messages with her, Sorfina is relatively calm and a happy-go-lucky person. Sorfina seems to understand that this typical exhibition was as usual as it was. I agree with her, but the difference here is the location of the places with views from various parties, including international students from the postgraduate level.
[3] Penulis merujuk keputusan penuh PRU-15 di negeri kelahiran Kamal.
Mungkin subjek berkaitan alam (dan manusia) menjadi pilihan kepada Sorfina menghasilkan arca seramik, maka beliau merasakan ada baiknya jika karya tersebut dipertontonkan kepada ahli akademik di gelanggang yang berbeza. Namun berbeza dengan Kamal, Sorfina menterjemahkan subjeknya dalam karya berbentuk 3 dimensi. Sorfina merujuk beberapa bahan semulajadi seperti pokok atau dahan pokok yang telah mati, cendawan dan ranting kayu. Sorfina kemudian cuba memahami kesan semulajadi terhadap subjeknya seperti kesan diseliputi dengan kulat, alga, lumut, cendawan kecil dan sebagainya yang dianggap sebagai parasit kepada subjek-subjek pilihannya. Sorfina sengaja menambah beberapa bahan seperti dawai sebelum mengindahkan karya arca seramiknya dengan bahan pewarna agar ketelitian dan kesamaan bahan rujukan mirip dengan arca yang dihasilkan.
Perhaps the subject of nature (and man) was the choice for Sorfina to produce ceramic sculptures, so she felt it would be good if the work was shown to other academicians from different expertise. Yet, in unlike to Kamal, Sorfina translates her subject into a 3-dimensional work. Sorfina refers to natural subjects such as a dead tree or tree branches, mushrooms and wood twigs. Sorfina then tries to understand the natural effects on the selected subject, such as the effects of being covered with fungi, algae, moss, tiny mushrooms, and so on that are considered parasites to the subjects of her choice. Sorfina deliberately added some material, such as wire before heeding his ceramic sculpture work with colouring material so that the thoroughness and similarity of the reference material were similar to the sculpture.
Boleh jadi juga, Sorfina berusaha menunjukkan kemahirannya menghasilkan arca seramik dengan teliti tanpa perlu menggayakannya sehingga tidak ada langsung unsur karektor terhadap subjek tersebut. Menghasilkan sesuatu arca seramik berdasarkan subjek yang dirujuk adalah satu proses yang memerlukan komitmen tinggi serta kesabaran yang jitu. Maka saya berpendapat Sorfina berjaya dengan usaha tersebut. Manakala rujukan terhadap alam (dan manusia) ini antara sebab utama mengapa Sorfina sengaja menambah bahan dawai sebagai melengkapi arca seramiknya. Mungkin penambahan dawai buatan manusia tersebut jelas menunjukkan mesej yang ingin disampaikan oleh Sorfina kepada penonton, iaitu tentang kepekaan dan kesedaran terhadap alam sekitar. Mengapa pentingnya keberadaan manusia untuk sentiasa bertanggungjawab mengekalkan kehijauan alam sekitar disamping kemajuan teknologi dan pembangunan setempat.
Perhaps, Sorfina tries to demonstrate her skill in producing a good sound ceramic sculpture carefully without having to stylize the 3d artwork until vanishing its character. Making a ceramic sculpture based on the subject referred to is a process that requires full commitment and patience. I think Sorfina succeeded with her own idea and effort. At the same time, this reference to nature (and man) is one of the main reasons why Sorfina deliberately added wire material to complement its ceramic sculpture. Perhaps the addition of such artificial wire demonstrates the message Sorfina wants to convey to the audience, which is about environmental awareness. It is essential for human existence always to be responsible for maintaining and protecting nature exposed to today’s advanced technology and development.
Saya menyerahkan segala pandangan dari sahabat-sahabat saya berkaitan hasil karya dari kedua orang artist ini. Saya percaya dengan pengalaman sebagai seorang pelajar dari Jabatan Seni Visual, memberi huraian, menerangkan, menyatakan dan memberi pendapat tentang pameran dan hasil karya dari Kamal dan Sorfina. Tidak dilupakan penulisan artikel dari sahabat diperantauan seperti Pak Syahrizal Pahlevi, Pak Mikke Susanto dan Brydee Rood. Maaf guys kerana ia mengambil masa yang agak lama untuk menerbitkan karya tulisan anda (rujuk penulisan khas/special write-up). Terima kasih diucapkan atas komitmen anda terhadap tugasan sebagai penulis jemputan pada pameran kali ini. Terima kasih juga kepada Dr. Simon kerana menyediakan ruang pameran kepada mereka berdua (Kamal dan Sorfina) mempersembahkan karya-karya mereka.
Regarding the work of these two artists, I convinced my colleague from the Dept. of Visual Art to give their own interpretation of Kamal and Sorfina’s artworks in their writing styles. Thank you for being so committed as a guest writer for this exhibition. Your knowledge and experience as a postgraduate student from our department (Visual Arts), wouldn’t be trouble sorting out describing, explaining, expressing and giving opinions on this exhibition and works from them (Kamal and Sorfina). Not forgotten international write-up by Pak Syahrizal Pahlevi, Pak Mikke Susanto and Brydee Rood. My sincere apologies to them since it took quite a while to publish the writings. Thank you to Dr. Simon for providing a space for Kamal and Sorfina to present their current artworks.
MERAIKAN SUBJEK ALAM SEMULA JADI
CELEBRATING THE NATURE
Write-up by: Mira Hanafi
mirahanafi9020@gmail.com, mira.hanafi@siswa.um.edu.my
Karya Sorfina Zulaikha
Artwork by Sorfina Zulaikha
Hasil apresiasi terhadap karya seni visual telah dilihat bahawa Sorfina menghasilkan karya arca seramik yang menggambarkan flora atau tumbuhan alam semula jadi iaitu cendawan. Dapat dilihat juga artis menghasilkan replika cendawan yang melekat di batang-batang kayu yang berwarna bumi iaitu coklat kehitaman. Artis juga turut menghasilkan bentuk cendawan menggunakan dawai besi yang kelihatan seakan tumbuh bersama di permukaan batang kayu pokok. Artis turut menghasilkan arca cendawan berwarna putih bersama lilitan dawai yang seakan tumbuh melilit bergantung pada tumbuhan tersebut. Kesemua karya arca ini adalah telah diimitasikan daripada alam semula jadi dan artis cuba untuk menjadikannya serealistik yang mungkin yang boleh kita lihat dari segi warna dan teksturnya yang begitu halus dan terperinci.
Mushrooms are depicted in ceramic sculptures produced by Sorfina. Additionally, it can be observed that the artist created mushroom replicas affixed to earth-toned pieces of wood. Using iron wire, the artist also created a mushroom-like form that appears to be growing on the tree trunk. The artist also created a white mushroom sculpture with a coil of wire that appears to grow around the plant. These sculptures are imitations of nature, and the artist strived to make them as realistic as possible, as evidenced by the delicate and intricate colors and textures.
Dalam arca seramik ini, jelas dilihat bahawa artis cuba membawa tema atau mengekspresikan penghargaannya kepada elemen alam semula jadi dan cendawan adalah sepsis flora yang menarik minatnya. Artis begitu menitikberatkan tekstur dan warna arcanya agar kelihatan seperti cendawan hidup. Saya berpendapat artis telah melakukan kajian dan pemerhatian yang mendalam serta terperinci terhadap jenis flora ini. Artis tidak akan mampu menghasilkan arca cendawan serealistik ini tanpa mengetahui dan mengkaji secara dekat dan konsisten mengenai cendawan yang wujud di habitat semula jadinya.
It is evident from this work that the artist is attempting to convey a theme or express her appreciation for natural elements, and the mushroom is a species of flora that her interests. The artist emphasized the texture and hue of her sculpture to make it appear alive. I believe the artist has thoroughly investigated and observed this type of flora. The artist would only be able to create this realistic mushroom sculpture with an extensive and consistent study of mushrooms in their natural environment.
Pada pandangan saya, artis menunjukkan kemahiran artistik yang tinggi dari segi penghasilan arca yang memaparkan nilai alam semula jadi. Elemen seperti tekstur, bentuk, warna yang terperinci melambangkan pengetahuan artis mengenai cendawan serta saya kira manifestasi hubungan simbiotik antara artis dan alam semula jadi. Lilitan dawai besi mungkin melambangkan sesuatu yang bersifat artifisial yang wujud dan hidup bersama sesuatu yang bersifat semula jadi. Saya suka melihat karya ini dari sudut pandang Bioart memandangkan saya mempunyai latar belakang dan pengetahuan mengenai Bioart serta kaitannya yang rapat dengan alam semula jadi. Meski pun Bioart sering mengangkat penggunaan bahan organik atau dalam kes ini, cendawan sebenar berbanding seramik, penghasilan arca yang membentuk cendawan masih boleh dikira sebagai Bioart kerana Bioart itu meletakkan subjek bukan manusia dan mengangkat alam semula jadi sebagai tema.[4] Tiada beza bagi saya karya ini dengan karya seorang artis Bioart, Luke Jerram yang menghasilkan arca bakteria Escherichia coli menggunakan gelas. Kedua-duanya meraikan spesis atau makhluk lain yang turut menghuni bersama kita, yang secara tidak langsung membentuk satu hubungan simbiotik kepada ekosistem keseluruhannya. Bagi saya, entiti yang dibentuk menggunakan dawai boleh mewakili teknologi dan perkara-perkara artifisial yang dihasilkan oleh manusia terhadap alam semula jadi itu sendiri. Secara keseluruhannya, dapat saya katakan artis menghasilkan karya yang baik dari sudut realistik dan formalistiknya dalam mengangkat subjek alam semula jadi dan juga menunjukkan spesis cendawan mungkin mempunyai hubungan tertentu dengan pandangan peribadi artis. Namun begitu, artis mungkin mencuba[ah1] untuk keluar dari zon selesa dengan menghasilkan karya sebegini melalui eksperimentasi terhadap material atau bahan yang baru, yang lebih bersifat organik contohnya.
Regarding creating sculptures that depicted the value of nature, artists demonstrated a high level of artistic skill. Elements such as textures, shapes, and detailed colours represent the artist's knowledge of mushrooms and, I believe, the artist's symbiotic relationship with nature. A coil of iron wire could represent something artificial that coexists with something natural. Since I have a background and knowledge of Bioart and its close relationship with nature, I enjoy examining this work from a Bioart perspective. Although Bioart frequently emphasizes the use of organic materials or, in this case, real mushrooms as opposed to ceramics, the production of mushroom-shaped sculptures can still be considered Bioart because Bioart places non-human subjects and elevates the theme of nature.[5] This piece is comparable to the work of Luke Jerram, a Bioart artist who created a glass sculpture of Escherichia coli bacteria. Both celebrate coexisting species or creatures, which indirectly form a symbiotic relationship with the entire ecosystem. In my opinion, wire-formed entities can represent technology and artificial things created by humans against nature. Overall, I can say that the artist has produced a realistic and formalistic work that raises
[4] Virdi, S. (2012)
[5] Virdi, S. (2012)
the issue of nature and demonstrates that mushroom species may have a connection to the artist's personal beliefs. Nonetheless, the artist should attempt to break out of her comfort zone by producing such works by experimenting with new or organic materials, for instance.
Karya Kamal Nawie
Artwork by Kamal Nawie
Artis telah menggunakan catan sebagai medium menyampaikan mesej tentang tema-tema berbentuk kehidupan seharian masyarakat di luar bandar. Beliau menggunakan subjek kanak-kanak, orang tua dan pelbagai lapisan masyarakat yang pakaiannya serta aktivitinya menggambarkan budaya dan perkara kebiasaan yang dijalankan masyarakat kampung. Latar belakangnya pula dihiasi dengan landskap dan persekitaran kampung di Malaysia. Penggunaan tona warna juga bersifat nostalgik dan melankolik seolah mengimbau memori zaman kecil. Boleh juga dikatakan bahawa catan ini juga mempunyai sedikit pengaruh impresionisme di mana artis menggunakan warna yang terang serta penggunaan elemen cahaya dalam kebanyakan catan beliau. Malahan, artis telah cuba mengetengahkan nilai estetik dalam aktiviti dan rutin harian yang biasanya dilakukan sehari-hari oleh masyarakat kampung berlatarkan suasana desa, diterjemahkan dan dibawa dalam adunannya yang tersendiri.
Artists use paint as a medium to communicate themes of rural daily life. He depicts children, the elderly, and various social strata whose attire and activities reflect the village community's culture and customs. The background is decorated with a Malaysian landscape and a village setting. The use of colour tones is also melancholy and reminiscent of childhood memories. Impressionism also influences this painting, as the artist frequently employs bright colours and light elements. In actuality, the artist is attempting to highlight the aesthetic value of the daily activities and routines of the rural community, translated and infused with his own style.
Saya dapat melihat karya catan ini mungkin bersifat peribadi dan berkait rapat dengan alam sekeliling asal pelukis. Dapat dilihat persekitaran artis membesar memberi pengaruh kuat terhadap catan ini. Bagi saya, karya catan ini menampilkan nilai estetik yang harmoni dan juga membawa penonton untuk menghargai dan meraikan nilai-nilai kesederhanaan dan sosial masyarakat luar bandar. Dapat dilihat suasana kampung yang dipenuhi pokok-pokok, pantai, sungai, gunung-ganang yang agak tenang berbanding kesibukan di kota. Mungkin catan ini juga boleh menjadi satu bentuk eskapisme bagi sesiapa yang hidupnya terbelenggu dek kesibukan kota dan hutan konkrit, di mana dengan melihatnya sahaja, memberi satu rasa ketenangan. Penghasilan subjek yang dipaparkan dalam bentuk kartun yang sering kita lihat dalam komik tempatan seperti Gila-gila, Ujang, yang suatu ketika dahulu juga merupakan sejenis gaya yang begitu dekat dengan masyarakat Malaysia, yang mana kini tidak lagi menjadi bacaan yang biasa kita lihat dalam generasi muda. Penampilan gaya kartunnya itu sendiri mengimbau memori dan nostalgia bukan sahaja terhadap keadaan desa atau kampung itu semata-mata malah terhadap bentuk bacaan komik yang menggunakan gaya dan tema sebegini pada era tahun 1990 an suatu ketika dahulu yang pernah menjadi satu bentuk hiburan yang digemari setiap lapisan masyarakat. Seperti karya Kampung Boy oleh Lat misalnya, di mana gayanya itu sendiri menjadi simbol atau ikon budaya dan sosial masyarakat kampung di Malaysia.
I can see that this painting may be personal and intimately connected to the artist's homeland. It is evident that the artist's upbringing had a significant impact on this painting. For me, this painting has a harmonious aesthetic value and also encourages the audience to appreciate and celebrate the rural community's simplicity and social values. In contrast to the bustle of the city, the village is filled with trees, beaches, rivers, and mountains that create a serene atmosphere. This painting may also be a form of escape for those whose lives are enslaved by the clamour of the city and the concrete jungle, as merely gazing at it induces a sense of tranquilly. The creation of subjects presented as cartoons, which we used to frequently see in the local comics such as Gila-gila, Ujang, etc is another type of style that is extremely close to Malaysian society but is no longer a common reading among the younger generation. The appearance of the cartoon style itself evokes memory and nostalgia not only for the state of the village or its society, but also for the form of comic reading that uses this style and theme in the 1990s era, which was once a form of entertainment that was loved by all levels of society. For example, in Lat's work Kampung Boy, his style becomes a symbol or cultural and social icon of the Malaysian village community.
REMINISCENT OF MEMORIES & LIFE MAKING
MENGIMBAU KENANGAN & MENCIPTA KEHIDUPAN
Write-up by Dzul Afiq Zakaria
Kamal Nawie
Reminiscent of Memories
Mengimbau Kenangan
Kamal Nawie brings to life with his art piece titled "Village Life," the recollections of a young boy who grew up in the countryside in Kota Bharu, Malaysia. The scene depicts the boy sitting on a grassy hill while holding a traditional game against the backdrop of traditional houses, boats, and the lush natural landscape of the region. The foreground of the painting contains elements that represent the day-to-day life and culture of the villagers, such as a basket of fresh produce, a cooking pot over a fire, or a group of children playing a traditional game. The joy and the memories that the boy has from his time spent in the countryside are captured in the painting through the use of sentimental imagery and a style that is reminiscent of cartoons. The painting also captures the beauty and simplicity of life in the countryside.
Kamal Nawie menghidupkan kembali nostalgia kenangan kehidupan kampung melalui karya-karya seninya yang mengusik hati mereka yang merindui zaman kanak-kanak melalui kenangan Kamal sebagai seorang anak muda yang dibesarkan di luar bandar di Kota Bharu, Malaysia. Pemandangan menggambarkan seorang budak lelaki yang sedang duduk di atas bukit berumput sambil memegang permainan tradisional berlatar belakangkan rumah tradisional, bot, dan landskap semula jadi yang subur di rantau ini. Latar hadapan lukisan mengandungi unsur-unsur yang mewakili kehidupan dan budaya seharian penduduk kampung, seperti bakul hasil segar, periuk masak di atas api, atau sekumpulan kanak-kanak bermain permainan tradisional menunjukkan kegembiraan dan kenangan yang dimiliki budak lelaki itu dari masanya dirakam dalam lukisan-lukisan Kamal melalui penggunaan imejan sentimental dan gaya yang mengingatkan kenangan melalui penggayaan kartun yang mengusik emosi dan perasaan sesiapa yang memerhatinya. Lukisan Kamal juga merakamkan keindahan dan kesederhanaan kehidupan di kawasan luar bandar.
Kamals paintings explore the theme of memory and nostalgia while also showcasing the beauty and cultural traditions of the countryside in Kota Bharu. His painting evokes a sense of longing for the simplicity and joy of life in the village while also highlighting the importance of preserving and honoring traditional ways of life. Kamal’s has many fond memories of the uncomplicated joys that came with village life when he was a child and grew up in the countryside. He is able to capture not only the splendor and history of the area but also the sentiment of longing that we experience when we reflect on our time spent in the countryside. His painting will resonate with others who have similar memories and experiences, and it will serve as a tribute to the rich cultural heritage of the village. Those who have an interest in the culture and traditions of Kota Bharu, Malaysia, as well as those who can relate to the theme of memory and nostalgia, will be able to appreciate the painting.
Lukisan Kamal meneroka tema memori dan nostalgia di samping mempamerkan keindahan dan tradisi budaya desa di Kota Bharu. Lukisannya membangkitkan rasa rindu terhadap kesederhanaan dan kegembiraan kehidupan di kampung di samping menonjolkan kepentingan memelihara dan menghormati cara hidup tradisional. Kamal mempunyai banyak kenangan indah tentang kegembiraan yang berserderhana dengan kehidupan kampung semasa Kamal kecil dan dibesarkan di luar bandar. Kamal dapat menangkap bukan sahaja kemegahan dan sejarah kawasan itu tetapi juga sentimen kerinduan yang kita alami apabila kita merenung masa kita di luar bandar. Lukisannya akan bersatu dengan sesiapa yang mempunyai kenangan dan pengalaman yang sama, dan ia juga dilihat sebagai penghargaan kepada warisan budaya kampung yang kaya. Mereka yang meminati budaya dan tradisi Kota Bharu, Malaysia serta mereka yang boleh mengaitkan dengan tema kenangan dan nostalgia, pasti akan dapat menghayati lukisan tersebut.
Sorfina Zulaikha
Life Making
Mencipta Kehidupan
Sorfina Zulaikha is an exceptionally talented and hard-working artist who takes a unique approach to the pieces of art that she creates. Her artwork is also known for its originality. Her one-of-a-kind approach to the production of art involves the use of components of varying sizes and contours, all of which are composed of materials, to depict aspects of the natural world that are representative of the concept of "life." In contrast to more traditional mediums like pen and paper, she prefers to bring her ideas to life through the use of ceramics as a form of expression rather than more traditional mediums.
Sorfina Zulaikha ialah seorang pengarca yang sangat berbakat dengan pendekatan unik dan asli terhadap karya seni arca yang ciptaannya. Pendekatannya yang unik terhadap penghasilan seni melibatkan penggunaan komponen saiz dan kontur yang berbeza-beza terdiri daripada pelbagai bahan untuk menggambarkan aspek alam semula jadi yang mewakili konsep "kehidupan. " Berbeza dengan medium yang lebih tradisional seperti pen dan kertas, Sorfina lebih berkecenderungan menghidupkan ideanya melalui penggunaan seramik sebagai bentuk ekspresi daripada medium yang lebih tradisional.
The primary medium that Sorfina applied in her sculptures is ceramics, but she also works with iron wire as a secondary medium. Her sculptures are composed of a variety of materials. Because the wire acts as a representation of the "life" that exists and "sticks" to the ceramic elements, this adds an additional layer of depth and interest to her work. Her work is more compelling as a result. This provides an extra layer of depth and interest to the work that she has done. Sorfina's use of this technique is evidence of her ability to experiment with a variety of mediums and to push the boundaries of what is considered to be traditional sculpture-making. In other words, Sorfina is pushing the boundaries of what is considered to be traditional sculpture-making. She takes a great deal of care to form and carve every component of her sculptures in a delicate and precise manner, ensuring that each piece is a genuine work of art in the process of doing so. In addition to the materials that derive from the ceramic industry.
Antara medium utama yang diaplikasikan oleh Sorfina dalam karya arcanya ialah seramik, walau bagaimanapun beliau juga berhasil dengan pengolahan dawai besi sebagai medium pada karyanya dan juga terdiri daripada pelbagai bahan. Anologi wayar yang bertindak sebagai perwakilan "kehidupan" yang wujud dan "melekat" pada unsur seramik ini menambahkan lagi lapisan kedalaman dan minat pada karyanya menjadikan ia lebih menarik. Sebagai tambahan kepada bahan-bahan asas seramik, penggunaan teknik oleh Sorfina adalah bukti keupayaannya untuk bereksperimen dengan pelbagai medium dan melangkaui sempadan apa yang dianggap sebagai pembuatan arca tradisional. Ketelitian dan perhatian bagi membentuk dan mengukir setiap komponen arcanya dengan cara yang halus dan tepat, memastikan setiap karya adalah karya seni yang tulen dalam proses pembuatannya.
Generally, the level of commitment and enthusiasm that Sorfina has for her work can be seen in each and every one of the pieces that she creates. Her sculptures are evidence of both her artistic talent and her commitment to her craft. This is evident from the intricate details that she carves into the surfaces of the ceramics as well as the variety of materials that she employs.
Secara umumnya, tahap komitmen dan semangat yang dimiliki Sorfina yang telah menghasilkan karyanya dapat dilihat pada setiap karya yang dihasilkan olehnya. Karyanya adalah bukti bakat seninya dan komitmennya terhadap pembuatan karyanya yang unik. Ini terbukti daripada penilitian perincian rumit yang terpahat pada permukaan seramik serta pelbagai bahan yang digunakannya.
记忆所及之处
WHERE MEMORY REACHES
Write-up by: Liu Jie
liujie42918051@163.com , s2034795@siswa.um.edu.my
本次展览集合了Kamal Nawie创作的30幅水彩作品。从2016年起,他开始着手进行关于童年时期生活经历的研究与创作。本次展览是站在时间轴的某个节点,探讨人类成长历程中“遗失的美好”的话题。
This exhibition brings together 30 watercolors created by Kamal Nawie. Since 2016, he has been researching and creating artwork about his childhood experiences. This exhibition explores 'The Lost Beauty' of human growth, which stands a point in the timeline.
正如艺术家祝羽捷说的,“身份随着迁徙的步伐、地域的改变、人生的经历在不断变化,不同的地理和文化复杂交织出的混合身份成为人类进化过程中的独特现象。” Kamal作为一名出生于小渔村、求学于大都市的青年艺术家,他试图在复杂与艰辛的成人世界,寻找纯真与轻松的童年时光。
As artist Zhu Yujie said, "Identity changes with the pace of migration, geographical changes, and life experiences, and the mixed identities that result from the complex interweaving of different geographies and cultures become a unique phenomenon in the evolution of human beings." As a young artist born in a small fishing village and educated in a large city, Kamal seeks to find the purity and relaxation of childhood in a complex and challenging adulthood world.
Kamal的每一幅艺术作品,仿佛邀请观众进入到他的生命故事。Figure 1、Figure 2、Figure 3、Figure 4、Figure 5等艺术作品,艺术家将自己置于静谧的海上世界,劳作、漂浮、发呆、钓鱼、思考,没有任何人的打扰,全身心享受一个人的快乐时光。
Each of Kamal's artworks invites the viewer into his life story. With paintings such as Figure 1, Figure 2, Figure 3, Figure 4 and Figure 5, the artist places himself in the silence of the sea, working, floating, lazing, fishing and thinking, without any disturbance from anyone and enjoying a happy time alone with all his heart and soul.
从左至右分别是Fig1-Fig5
From left to right, Fig1-Fig5
Figure 6、Figure 7、Figure 8、Figure 9、 Figure 10、 Figure 11, 等艺术作品,记录了艺术家与家人、朋友相聚的每一个精彩瞬间,体现出人们尽情享受亲情和友情的幸福时光。
Figure 6, Figure 7, Figure 8, Figure 9, Figure 10, Figure 11, and other artworks record the artist's wonderful moments of gathering with family members and friends, reflecting the happy time of people enjoying intimacy and friendship.
从左至右分别是Figure 6至Figure 8
From left to right are Figure 6 to Figure 8
从左至右分别是Figure 9至Figure 11
From left to right are Figure 9 to Figure 11
Figure 12、Figure 13、Figure 14、Figure 15 等艺术作品,艺术家将自己定位为他者,记录了身边的老婆婆、老爷爷的日常生活,以及家乡花草树木等自然景物的真实状态。
Figure 12, Figure 13, Figure 14, Figure 15 and other artworks in which the artist positions himself as the Other, recording the daily lives of the grannies and old grandpas around him, as well as the actual situation of natural scenes such as flowers and trees in his hometown.
从左至右分别为Figure 12和Figure 13
From left to right are Figure 12 to Figure 13
从左至右分别为Fig14和Fig15
From left to right are Figure 14 to Figure 15
Kamal像是一个讲故事的人。他的作品结合了真实和虚构的元素,向观众讲述自己童年故乡的人和事。在Kamal的作品中,天空、海洋、渔船、植物等是常用的视觉元素,他以标志性的清新色调、优雅线条和细致笔触,构建出诱人的图景。作品中的人物形象,虽然保留着人的外形,但实际上他(他)们并不真正属于人间,更像是仅存在于回忆中的幻境。这些“人物”都保留着漫画中人物形象的天真童稚,这也反映出艺术家内心向往的那片净土,以及对童年无忧无虑时光的怀念和追忆。
Kamal is like a storyteller. His artworks combine real and fictional elements by telling the viewer about the people and events of his childhood homeland. The sky, the sea, fishing boats and plants are common visual elements in Kamal's artworks, and his signature fresh palette, elegant lines and meticulous brushwork build an inviting landscape. The figures in his work retain their human form, but they are not earthly, but more like visions that exist only in memory. These 'characters' maintain the innocence and childishness of the caricatured figures, reflecting the artist's inner longing for a pure land and the nostalgia and remembrance of a carefree and happy childhood.
Kamal的作品具有非凡的密度,即使是对一小部分作品仔细观赏,也需要更多的时间和空间。通过这些作品,观众可以深入了解他从哪儿来,他是如何被定位,以及他为何具有如此大的潜力。
Kamal's artworks have an extraordinary density that requires more time and space to view even a small selection of paintings closely. Through these artworks, the viewer can understand where he came from, how he was positioned, and why he has so much potential.
“โลก” ของผลงานศิลปะ : ศิลปินในฐานะนักปรากฏการณ์วิทยา
THE ROLE OF ARTWORKS IN REVEALING THE TRUTH OF EXISTENCE: ARTISTS AS PHENOMENOLOGISTS
Writeup by: นวภู แซ่ตั้ง (Nawapooh Sae-tang)
Edited by ChatGPT by OpenAI (English translation)
คำถามที่ว่า “ศิลปะ คืออะไร” เป็นคำถามโบราณที่ยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่จนถึงปัจจุบัน แม้นิยามของมันยังมิได้ชัดเจนหรือเป็นที่สิ้นสุด แต่ผู้ที่ได้ชื่อว่าเป็น “ศิลปิน” ต่างก็พยายามทำความเข้าใจตลอดจนนิยามศิลปะในแง่มุมของตนเอง และถ่ายทอดออกมาเป็นผลงานศิลปะ ในอีกแง่หนึ่ง การพูดถึงนิยามมิใช่เพียงการถกเถียงเพื่อหาข้อสรุป แต่คือการค้นหาซึ่งสารัตถะของสิ่งนั้นๆ หรือที่มาร์ติน ไฮเด็กเกอร์ นักปรัชญาชาวเยอรมัน เรียกว่าเป็น “สัต” (being) ของสิ่งต่างๆ ในแง่นี้ นิยามของศิลปะมิใช่เพียงประเด็นทางศิลปะ แต่กลับเป็นประเด็นในทางภววิทยาอีกด้วย
The question of "what is art?" has been debated for a long time and remains a subject of discussion today. While no definitive definition of art has been reached, many artists try to understand and define it through their works. However, defining something is not just about understanding it, but also finding its essence. Martin Heidegger, a German philosopher, referred to this essence as a "being." Therefore, the question of "what is art?" is not only a question in art history or art theory, but also a philosophical question related to the debate on ontology.
ผลงานของ Kamal และ Sorfina แสดงให้เห็นถึงภาวะที่ศิลปินครุ่นคิดถึงความสัมพันธ์ระหว่างศิลปะกับประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปิน ทั้งสองอาศัยผลงานศิลปะในการพูดถึง “ชีวิต” และ “ความทรงจำ” ในแง่มุมที่แตกต่างกัน ผลงานของ Kamal อาศัยภาพการ์ตูน อันเป็นสิ่งหนึ่งที่สัมพันธ์กับความทรงจำของวัยเด็ก นัยดังกล่าวถูกเน้นย้ำด้วยภาพของเด็กที่ปรากฏอยู่ในผลงานเกือบทุกชิ้นราวกับเป็นสิ่งที่เชื่อมต่อระหว่างประสบการณ์ของศิลปินกับ “สาร” ของงานศิลปะ เราอาจอนุมานได้ว่า Kamal อาศัยความทรงจำส่วนตัวในวัยเด็กเป็นวัตถุดิบในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ภาพการ์ตูนของ Kamal สะท้อนวิถีชีวิตของคนท้องถิ่นที่มีลักษณะของความเป็นชนบทที่ดูจะแตกต่างออกไปจากบริบทของพื้นที่จัดแสดงอันวุ่นวายในกรุงกัวลาลัมเปอร์ “ความทรงจำ” อันเป็นเศษเสี้ยวส่วนหนึ่งของ “ชีวิต” ศิลปินผู้มีชีวิตวัยเด็กในรัฐกลันตัน แน่นอนว่าศิลปะมิใช่กระจกสะท้อนความเป็นจริง แต่ผลงานศิลปะต่างก็สัมพันธ์กับประสบการณ์ของศิลปินผู้ดำรงอยู่ในโลกของความเป็นจริง ปฏิเสธไม่ได้เลยว่า ผลงานการ์ตูนของ Kamal พยายามเชื่อมโยงผู้ชมเข้ากับความทรงจำในอดีตของศิลปิน และความทรงจำนั้นก็เปรียบเสมือน “สาร” ที่หลบซ่อนและแฝงฝังรอเวลาเผยตัวอยู่ในทุกอณูของผลงานเหล่านี้ ในขณะที่ Sorfina อาศัยงานเซรามิคสร้างเป็นส่วนประกอบของสิ่งมีชีวิต ไม่ว่าจะเป็นขอนไม้ ต้นไม้ หรือเห็ด ผลงาน ‘Living On’ และ ‘On the wilderness of dead tree’ แสดงออกถึงภาวะขัดแย้งระหว่างการ “มีชีวิต” และ “ไม่มีชีวิต” เมื่อเห็ดราจำนวนหนึ่งที่ขึ้นอยู่บนขอนไม้ที่ไร้ชีวิต แต่สิ่งที่ไม่อาจทิ้งไว้เบื้องหลังได้ก็คือ ทั้งหมดเกิดขึ้นจากสิ่งที่ไร้ชีวิต ซึ่งบันทึกเพียงความทรงจำของสิ่งที่ครั้งหนึ่งเคยมีชีวิต ผลงานของ Sorfina จึงบอกเล่าเรื่องราวของ “ชีวิต” และ “ความทรงจำ” ในอีกรูปแบบหนึ่งที่แตกต่างออกไปจาก Kamal แต่จุดร่วมของผลงานทั้งสองคือการพยายามหวนระลึกและตระหนักถึงสิ่งที่เคยมีอยู่ และถ่ายทอดประสบการณ์หรือความทรงจำเหล่านั้นออกมาในรูปแบบของผลงานศิลปะ
The common theme in the works of Kamal and Sorfina is their attempt to commemorate and realize the past. Their results reflect how artists define art in their way by creating a relationship between art and their personal experiences. They use art to explore the themes of "life" and "memory" from different perspectives. Kamal's works use techniques like cartoon graphics, which evoke childhood, to communicate his childhood experiences. The figure of a boy appears in almost all of his works, possibly connecting the artist's experiences and the message of the works. As such, Kamal's works tend to depict life in rural areas, which is different from the context of the exhibition space in Kuala Lumpur. This may be connected to the artist's childhood in Kelantan. While the artwork is not a mirror that reflects the truth, it contains element of the artist's actual experiences. Kamal's works attempt to connect the audience with the artist's experiences, which are represented in his works.
On the other hand, Sorfina's works were created using ceramic techniques. She used lifeless objects to represent living figures, such as trees and mushrooms. The works "Living On" and "On the Wilderness of Dead Tree" reflect the paradoxical relationship between "life" and "lifelessness." She depicted mushrooms on dead wood, which used to have life, raising the contradictory element of living and containing the memory that something used to live. Therefore, she depicted the story of "life" and "memory" differently from Kamal. However, the story of life in her works was created using lifeless objects, but they have been presented as another form of life.
แม้ว่างานของศิลปินทั้งสองมิอาจพิสูจน์ได้ว่าเป็นกระจกสะท้อนความจริงหรือเป็นการเลียนแบบเศษเสี้ยวข้อเท็จจริงในอดีต แต่อย่างไรก็ตาม ผลงานเหล่านี้ก็เปิดเผยให้เห็นถึงแง่มุมของความจริงบางชุด ซึ่งในทัศนะของไฮเด็กเกอร์ สิ่งเหล่านี้คือความจริงของการดำรงอยู่ (truth of existence) อีกนัยหนึ่ง ผลงานเหล่านี้เผยให้เห็นถึง “โลก” (the world) ซึ่งเป็นความจริงที่อยู่ภายนอกตัวผลงานศิลปะ ผลงานของ Kamal เผยให้เห็นถึงโลกใบหนึ่งของเด็กท้องถิ่นในชนบท ที่เต็มไปด้วยวิถีชีวิตดั้งเดิม ในขณะที่ผลงานของ Sorfina เผยให้เห็นถึงโลกของสิ่งมีชีวิตขนาดเล็ก และความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งมีชีวิตและไม่มีชีวิต อย่างไรก็ตาม งานของ Kamal และ Sorfina คงมิใช่มีเจตนาให้เป็นเพียง “ภาพตัวแทน” ของสังคมชนบทหรือโลกของสิ่งมีชีวิต (ซึ่งเราไม่มีทางรู้ว่าสิ่งที่อยู่เบื้องหลังภาพตัวแทนนั้นๆ คืออะไร) หากแต่ผลงานเหล่านี้ยังเผยให้เห็นถึงโลกของคนท้องถิ่นและโลกของสิ่งมีชีวิตที่ทำให้เราตระหนักถึงความสัมพันธ์ระหว่างตัวมันเองกับสิ่งต่างๆ ไม่ว่าจะเป็นความสัมพันธ์ระหว่างคนรอบตัวและสิ่งแวดล้อมในท้องถิ่น หรือความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งมีชีวิตต่างๆ และสิ่งไม่มีชีวิต ในแง่นี้ ผลงานศิลปะจึงมิได้เป็นเพียงวัตถุที่บอกเล่าเรื่องราวของศิลปินหรือเป็นภาพตัวแทนของสิ่งใด แต่ ผลงานศิลปะมันเผยให้เห็นถึงความจริงที่อยู่ภายนอก ซึ่งก็คือ “โลก” ของคนท้องถิ่น และ “โลก” ของสิ่งมีชีวิตและไร้ชีวิต สิ่งเหล่านี้ถูกปิดบังไว้ผ่านวัตถุในการสร้างผลงาน หรือที่ไฮเดกเกอร์ใช้คำว่า “พื้นดิน” (the earth) ซึ่งก็คือกระดาษ สี และองค์ประกอบทางจิตรกรรมในกรณีของ Kamal หรือเซรามิกในกรณีของ Sorfina ไฮเดกเกอร์อธิบายว่าทั้ง “โลก” และ “พื้นดิน” ประทะ (strife) กัน ซึ่งเป็นการประทะระหว่างการปิดบังและการเปิดเผย อันเป็นเงื่อนไขสำคัญที่ทำให้ความจริงแสดงตัวของมันเองออกมาต่อการเข้าถึงของอีกฝ่าย หรือในที่นี้ก็คือผู้ชม ผลงานศิลปะจึงมีบทบาทในฐานะสิ่งที่เผยให้เห็นถึงความจริงของการดำรงอยู่ หรือในภาษาเรียกว่า Aletheia และในฐานะของผู้สร้าง ศิลปินจึงอยู่ในฐานะของนักปรากฏการณ์วิทยาผู้เผยความจริงของการดำรงอยู่ผ่านตัวผลงานศิลปะ
While the works of art by Kamal and Sorfina may not depict the absolute truth, they still reveal certain aspects of reality, precisely the truth of existence, according to Heidegger. In other words, the artworks reveal "the world," which is the truth outside the artworks. Kamal's works reveal the world of life in rural areas, related to primitive ways of living. In contrast, Sorfina's works show the world of life in small spaces and the relationship between energy and lifelessness. Therefore, the artworks are not just representations of something, but they also reveal the truth of existence outside themselves - "the world" of local people and "the world" of life in small spaces. These elements are concealed by the materials used to create the works, which Heidegger referred to as "the earth," such as paper, colour, artistic elements, or ceramics. Heidegger believed that perceive the world, there must be between "the world" and "the earth," or a struggle between revelation and concealment. The final result is the reality of existence, which is revealed to the audience. In this sense, the artworks serve as objects of truth that tell the truth of existence, also known as "Aletheia" in Greek. The artist who creates the artworks is also a phenomenologist who reveals the truth of existence through the being of the works.
อย่างไรก็ตาม “โลก” ของคนท้องถิ่น และ “โลก” ของสิ่งมีชิวิตและไร้ชีวิตในผลงานของ Kamal และ Sorfina จะมิอาจเผยตัวได้ถ้าขาดผู้ชม เพราะสุดท้ายแล้ว ความจริงในแบบนักปรากฏการณ์วิทยา คือความเข้าใจถึงโครงข่ายความสัมพันธ์ระหว่างตัวตนของมนุษย์ (Dasein) ที่ดำรงอยู่ท่ามกลางสิ่งต่างๆ รอบตัว (Being-in-the-world) ท่ามกลางการประทะกันระหว่างโลกกับพื้นดิน เราจะเข้าใจความจริงได้ก็ต่อเมื่อตระหนักถึงความสัมพันธ์ของตัวมันเองกับสิ่งต่างๆ ในฐานะของงานศิลปะ มิใช่ในฐานะของคุณสมบัติทางกายภาพของตัวมันเองโดดๆ (Ready to hand) จึงเป็นหน้าที่ของผู้ชมที่ต้องเข้าไปสัมผัสและค้นหาความจริงของการดำรงอยู่ ท่ามกลางการประทะทั้งในตัวผลงานศิลปะและการประทะกันระหว่างผลงานกับผู้ชมในชั่วขณะของการเข้าชม
However, the worlds depicted in the works of Kamal and Sorfina would not be revealed without the presence of an audience. In a phenomenological sense, the truth can only be revealed in the relationship between "Dasein" (human beings) and other beings in the world, known as Being-in-the-world. In the struggle between the world and the earth, we can only perceive the truth if we realize it in the relationship between the artworks and other things around us (ready-to-hand). Therefore, it is the responsibility of the audience to go and see the artworks and engage in the struggle between the artworks and the audience in order to fully understand and experience the truth revealed by the artworks.
MINI PRINT SEBAGAI JEMBATAN (Seputar pengorganisasian, ide-ide dan perencanaan even seni cetak grafis).
MINI PRINT AS PLATFORM
Write-up by: Syahrizal Pahlevi
Penyelenggaraan Pra Biennale-Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) di tahun 2013 menjadi jembatan menuju ide-ide dan penyelenggaraan even-even berskala internasional setelahnya, yaitu: “Jogja International Miniprint Biennale (JIMB)” tahun 2014 dan 2016, “Relation in Print” 2014 dan 2016, “33 Prints #1” tahun 2015, “Multiple #1” tahun 2016 dan rencana penyelenggaraan “33 Prints #2 & Teras Print Fair” di tahun 2017 yang akan datang. Penyelenggaraan even pameran mini print menjadi jembatan dalam pergaulan dengan para seniman dan komunitas seni grafis khususnya di berbagai belahan dunia. Gagasan dan ide-ide dalam mini print bekerja dengan sendirinya dan menjadi penghubung atas gagasan dan ide-ide yang melampauinya. Ide-ide bermunculan sebagai sebab-akibat, karena kebutuhan dan berbagai alasan yang semula tidak atau belum terpikirkan sama sekali.
Antara kebutuhan akan hadirnya even berskala internasional, berkala dan berkesinambungan, keterbatasan fasilitas, minimnya dukungan dan sumber daya manusia, hasrat yang kuat agar terjalin link dan komunikasi yang intens dengan pegrafis di berbagai belahan dunia, harapan agar perkembangan seni grafis di tanah air semakin bergairah dan terpacu serta keyakinan bahwa apa yang diperbuat adalah hal positif dan bermanfaat menjadi pemicu dan dorongan bagi TERAS Print Studio selaku motor utama dalam pengorganisasian untuk menjaga semangat dalam bekerja. TERAS Print Studio tidak bekerja sendirian, ia didukung TERAS Management selaku pelaksana di lapangan dan personil lain baik individu maupun yang berada dalam lembaga yang telah bersedia membantu. Tentu peran seniman sendiri sangat besar karena tanpa pertisipasi seniman berbagai kegiatan yang digagas tidak akan dapat terwujud:
Pra Biennale-Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) 2013 adalah “even pemanasan” guna melihat sambutan perupa dan publik sebelum merencanakan sebuah even berkala dua tahunan yang akan berlangsung kontinyu di masa-masa selanjutnya.
Cuplikan pengantar di booklet Pra Biennale_JIMPF 2013: Pra Biennale – JOGJA INTERNATIONAL MINI PRINT FESTIVAL (JIMPF) 2013 is planned as a different kind of event and as the start a new art tradition in Yogyakarta. The Festival is also meant to stimulate Jogjakarta printmakers to become more actively involved in printmaking on a global scale..............................
The Pra Biennale-JIMPF 2013 is conceived as a ‘warm up’ event to be carried out before the long awaited the First Jogja International Mini Print Biennale (JIMPB) 2014 which is scheduled to take place in 2014. As a pre-event or ‘Pra-Biennale’ JIMPF 2013 is quite ambitious. The original goal was to attract at least 100 participants, 20 from abroad and 80 from Indonesia, but registration has already exceeded that target. As of the 15 October registration deadline and before this brochure was printed more than 130 artists had registered including about 30 international participants from Australia (5), the US (3), Europe (2), Mexico (1), Malaysia (5), Philipina (18) and Indonesian artists from Jakarta, Bandung, Surabaya, and Bali. The most popular category with the largest number of participants is the Mini Print Exhibit though participants have also registered for conferences, technical demonstrations, and performance art. The workshops are being organized by the individual studios conducting the workshops and enrolment data is available from the studios themselves.........................................
Why mini prints? Mini prints are unpretentious works of art and although small (most are 20cm x 25 cm or even smaller) their significance should not be underestimated. In the practice of printmaking itself mini prints are an intimate expression. Precisely through this small format printmakers can focus their attention and explore in detail the rich traditions of printmaking. Many printmakers began their careers with mini-prints and many have continued to work in this format while also exploring other techniques and formats. Thus in the history of printmaking mini-prints have always had a place. The richness of this format can be seen from the works submitted to the main mini print exhibit including techniques such as Etching, Aluminium Etching, Drypoint, Aquatint, Solar Plate Etching, Sugarlight, Mezzotint, Ala poupe Etching, China Colle, Carborundum, Blind Embosing, Woodcut, Reduction Woodcut, Linocut, Collagraph, Mokuhanga, Stone Lithography, Aluminium Lithography, Kitchen Lithography, Monotype, Monoprint, Photo Intaglio, Stencil, Silk Screen, as well as combinations of various techniques................................................
JIMPF 2013 is a printmaking event which will prepare artists and the public for future activities. The goal of JIMPF 2013 is to ensure that participants, the organizers, as well as the public are ready –physically and mentally - for a new tradition, the Jogja Mini-Print Biennale.........................................”
FOTO 1 Pra Biennale-JIMPF 2013 (Foto dokumen JIMB)
Tak pelak, JIMPF menjadi cikal bakal lahirnya Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) yang telah berlangsung 2 kali: tahun 2014 dan 2016. Even pertama bernama 1st JMB (Jogja Miniprint Biennale, belum ada penambahan kata “International”).
Cuplikan pengantar di katalog 1st JMB 2014 (atau 1st JIMB): “Despite the challenges and limitations the first Jogja Miniprint Biennale (JMB) 2014 is being presented to the art loving public in Yogyakarta. It is our commitment to improve and widen the scope of our activities for the general public. An event like JMB 2014 is one of several activities which we have already carried out or are planning, including workshops, ‘mini-residencies” which began in 2014, as well as other exhibitions. In 2013 we presented the Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) which exhibited 460 works by 167 printmakers and was a pre-event to the Jogja Miniprint Biennale (JMB 2014)..................................................................
The long-held desire for Yogyakarta to host a periodic printmaking event which would not only exhibit high quality print work but would also serve as a forum for printmakers from all over the world is finally being realized. Minimal infrastructure and low levels of in-country support, as frequently expressed by printmakers, makes it important to hold regular events like JMB 2014 which will increase the confidence and spirit of Indonesian printmakers. The miniprint format is an alternative, a challenge, and a bridge to realize these ideas, both from the artist’s as well as the organizer’s perspective. The reason is that the miniprint format has a number of practical aspects related to distribution and handling although the meaning and quality of the works produced are always paramount. ....................................................................”
1st JIMB diikuti oleh 72 peserta terseleksi dari 23 negara dengan karya sebanyak 140 buah. Jumlah ini merupakan seleksi dari 167 pendaftar dari 27 negara dengan jumlah karya sebanyak 465 buah. Terlihat ada peningkatan jumlah peserta dan jumlah negara yang berpartisipasi dalam bienal pertama ini. 1st JMB ini juga menghasilkan 3 pemenang karya terbaik yang diraih oleh 2 seniman dari
FOTO 2. 1st JMB 2014, para pemenang 3 karya terbaik dari kiri: Lidija Antanasijevic/Serbia, Deni Rahman/Indonesia dan Agugn Prabowo/Indonesia (Foto dokumen JIMB)
Ditengah proses pelaksanaan 1st JIMB ini muncul gagasan membuat even 33 PRINTS di tahun 2015. Even ini adalah tindak lanjut dari pelaksanaan 1st JIMB agar masyarakat pencinta seni grafis di Yogyakarta khususnya tetap terjaga perhatiannya terhadap even dan berkesempatan berdialog dengan lebih intens lagi dengan lebih banyak karya dari para pemenang.
Cuplikan pengantar di katalog 33 PRINTS 2015: ““33 Prints” Exhibition presents 33 prints on paper from 3 artists who won International Exhibition, The 1st Jogja Miniprint Biennale(JMB) in June 2014. Those three artists’ works:Agung Prabowo(AGUGN)/Bandung, Indonesia; Deni Rahman/Yogyakarta, Indonesia and Lidija Antanasijevic/Serbia, UK were chosen as Three Best Works out of 140 mini print works from 72 finalists who come from 23 countries. In this 3 artists’ exhibition, art public do not only see mini-sized printworks but also bigger printworks or medium-sized prints.
We plan “33 Prints” Exhibition will be a tradition of Jogja Miniprint Biennale in the future in which every winner, with their new works, has to join a group exhibition in following years.The number “33” represents number of works and it will be the eligibility. Therefore each winner of “Three Best Works” must prepare 10 new works to be exhibited with the work which was chosen as a winner. We hope that this tradition will stimulate creation, enhance art climate of art prints and make art prints more sustainable.......................................”
FOTO 3. Pembukaan 33 PRINTS 2015 (Foto dokumen JIMB)
Sebelum muncul ide membuat 33 PRINTS, terlebih dahulu dilaksanakan pameran Relation In Print #1 pada Oktober 2014 yang sasarannya untuk mengakomodir karya-karya tidak lolos seleksi, karya yang didiskualifikasi karena perihal teknis dan karya terlambat datang dalam even 1st JMB 2014. Panitia merasa perlu melakukan hal ini karena menyadari bahwa bienal yang memiliki kuota terbatas, seleksi ketat dan kriteria-kriteria khusus tentu tidak dapat sepenuhnya mewujudkan harapan panitia dalam menjalin seluas mungkin hubungan antar pegrafis baik di dalam negeri maupun manca negara. Relation In Print #2 dilaksanakan pada tahun 2016.
Kutipan surat undangan kepada peserta pameran Relation In print #2: “Dear Printmakers,
We understand the most important thing behind the international event such as The 2nd JIMB 2016 which applies open call and selection process, is to create links and broad relationship with all participants and parties. The selection result is a separate process that should be respected in order to maintain credibility of the event.
However the works submitted often amaze the committee and cannot be maximally accommodated by the biennial due to some factors: the jury’s subjectivity, the theme and criteria applied, the limited quota, the disqualification due to technical problems and the late arrival of the works when the selection process starts.
Therefore the exhibition “RELATION IN PRINT #2” is held to give a chance to public to see other works which are worth being appreciated. The selection was fully done by the committee and in coordination with competent source based on the works which did not pass the selection process, the late arrival of the works and Jogja Miniprint Museum collection as addition. As “side event”, the exhibition will be held at the same time as The 2nd JIMB but at different venues.............”
FOTO 4. Relation In Print #1, 2014 (Foto dokumen JIMB)
Lingkaran biennale miniprint telah dimulai. Bienal yang kedua atau The 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2016 harus segera dipersiapkan. “MULTIPLE #1” muncul dan menjadi alternatif bagi panitia dalam mensosialisikan even kepada seniman dan publik dan dalam rangka mencari dukungan termasuk pendanaan awal. Even ini dilakukan secara serempak di 10 venue/art space di Yogyakarta pada tanggal 22 sampai 28 Januari 2016 atau sekitar 4 bulan sebelum pembukaan 2nd JIMB 2016.
Kutipan dari Press Release Multiple #1: “Multiple adalah keniscayaan dari media seni cetak grafis yang bisa dioptimalkan sedemikian rupa guna kembali menegaskan eksistensi seni cetak grafis di tengah medan seni rupa dewasa ini. Multiple bermakna “dapat digandakan” dimana dalam seni cetak grafis diterapkan dengan proses teknik yang menghasilkan image-image tercetak yang disebut edisi. Adanya edisi dalam seni grafis adalah keunikan, kekuatan dan “berkah” yang harus dinikmati baik oleh pegrafis setiap kali ia mencetak karyanya maupun oleh penikmat di setiap edisi yang ditatapnya.
“Multiple #1” adalah bazar, penjualan “cash & carry” karya-karya seni grafis beberapa seniman Yogyakarta dalam format mini dengan ukuran kertas tidak lebih dari A4. Tiap karya dijual dengan harga khusus kisaran antara Rp. 100.000 sampai Rp. 250.000 untuk edisi cetak yang dibuat antara 5 sampai 50. Bazar ini memanfaatkan sifat multiple dalam karya grafis dimana pengunjung akan menjumpai banyak karya yang sama dengan harga yang juga sama di tiap tempat secara serentak hanya saja berbeda nomor edisinya............
Bazar karya mini print dan sosialisasi 2nd JIMB dilakukan agar minat masyarakat terhadap karya seni grafis semakin bertumbuh dan calon peserta mendapatkan gambaran atas even yang akan mereka ikuti.........................”
FOTO 5. Banner MULTIPLE #1, 2015 (Foto dokumen JIMB)
Pada tanggal 24 Mei sampai 10 Juni 2016 pameran The 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) dilaksanakan. Even ini diikuti oleh 77 seniman dari 28 negara dengan 110 karya terseleksi. Ada perubahan komposisi juri dari bienal pertama, ada tema untuk pedoman peserta, ada tambahan peserta tamu dan peserta presentasi khusus serta ada penambahan pemenang karya unggulan diluar 3 pemenang karya terbaik sebagaimana bienal pertama.
Cuplikan pengantar di katalog 2nd JIMB:“ The Yogyakarta Mini- Print Biennale is designed to show that printmaking is always open to current issues in art and social life. The chairperson of the JIMB 2016 jury is artist and gallery owner Agung “Leak “Kurniawan. Members of the jury include printmaker and lecturer Andang Suprihadi P and curator and lecturer A. Sudjud Dartanto. The jury members enjoy substantial reputations in Indonesia and in the international art community. Changes in the composition of the jury, open and frank debates about the types of printmaking techniques which should be accepted in the Biennale, and discussions about whether or not a theme for the Biennale is necessary are all routine agenda items at JIMB jury meetings. The Jury agreed on the theme “Homo Habilis” (the ‘handy man’. In pre-history, a cultured primate or proto-human and the first documented proto-human to use tools) to accompany our question: “How far does contemporary art and contemporary life underappreciate ‘the strength and miracle of the hand’?” It was also agreed by the jury that in the second Biennale work could be submitted using four conventional printmaking techniques: relief printing (woodcut, linocut, rubber cut, collagraph), intaglio (etching, drypoint, photo etching, aquatint, mezzotint), planograph (lithography), and serigraphy (silk screen and stencil)..........................
After extending the deadline several times in order to provide sufficient time for submissions from abroad to reach the Organizing Committee, selection was carried out on 24 April 2016 at Kebun Bibi, an art space in Jl. Minggiran, Yogyakarta. From a total of 167 artists from 32 countries who initially registered, a total of 331 works by 147 artists from 30 countries were received by the Committee and included in the selection process. Others withdrew from consideration, did not submit work as initially indicated, or their work did not reach the Committee in time. Results of the final selection comprised a total of 77 artists: 28 from Indonesia and 49 from 27 foreign counties including Australia, Austria, Argentina, Belgium Brazil, Bulgaria, Finland, Hungary, India, Ireland, Italy, Japan Germany, Canada, France, Peru, Poland, Croatia, Malaysia, Mexico, Montenegro, Russia, Serbia, Sweden, Ukraine, the United Kingdom, and the United States. One hundred and ten works were selected for inclusion in the 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2016............
In order to take account of the latest issues in the world of printmaking, JIMB 2016 has invited five guest artists, two Indonesian and three international artists, including one of the winners from the first JIMB 2014 to participate in JIMB 2016. The artists were chosen because of their international reputations, important contributions as printmakers, introduction of popular technical innovations, or widely acknowledged dedication to printmaking. A special exhibit is also scheduled: Seven Indonesian artists have been invited to show their work in a dynamic presentation titled “From Traditional to Digital”. It is hoped that these new features will create greater interest in and attract more members of the public to the Biennale..........................................”
FOTO 6. Cover depan katalog 2nd JIMB 2016 (Foto dokumentasi JIMB)
33 PRINTS #2 dan TERAS PRINT FAIR 2017. Even ini akan memamerkan 33 karya dari 3 pemenang karya terbaik 2nd JIMB 2016 yang kebetulan diraih oleh pegrafis dari manca negara semua (Bulgaria, Kanada dan Italia) berbarengan dengan pelaksanaan mini art fair untuk karya-karya cetak grafis baik konvensional maupun kontemporer dari Indonesia dan kemungkinan dari mancanegara. Art fair ini masih bersifat uji coba dalam melihat antusiasme publik dalam mengoleksi karya grafis, Bila nanti art fair semacam ini dibutuhkan, bukan tidak mungkin akan dibuat berkala sebagaimana even JIMB yang diupayakan dapat berlangsung kontinyu, ditengah berbagai kendala yang harus dihadapi panitia. Semoga.....
33 PRINTS #2 and PATIO PRINT FAIR 2017. This event will exhibit 33 works from the 3 winners which showed the best works of the 2nd JIMB 2016 which happened to be won by graphic artists from Bulgaria, Canada and Italy, along with the implementation of a mini art fair for graphic print works both conventional and contemporary from Indonesia and possibly from abroad. This art fair is still a trial in seeing the public's enthusiasm in collecting graphic works, If later this kind of art fair is needed, it is not impossible that it will be made periodically as the JIMB event that is sought to take place continuously, amid various obstacles that must be faced by the committee. Hopefully.....











FOTO 7. Iklan 33 PRINTS & Teras Print Fair 2017 (Foto dukumen JIMB)
Yogyakarta, 26 Juni 2016,
Syahrizal Pahlevi: Adalah seorang pegrafis lulusan seni lukis Fakultas Seni Rupa ISI Yogyakarta. Pendiri TERAS Print Studio dan TERAS Print Dealer, Koordinator JIMPF 2013, Koordinator 1st JIMB 2014 dan Direktur 2nd JIMB 2016.
Syahrizal Pahlevi: A graphic artist who major in painting from Faculty of Fine Arts, ISI Yogyakarta. Founder of TERAS Print Studio and TERAS Print Dealer, Coordinator of JIMPF 2013, 1st JIMB 2014 and Project Director for 2nd JIMB 2016.
Tema-Tema Karya Seni Rupa Kontemporer
(di) Yogyakarta Era 2000an
Contemporary Artwoks Themes (in) Yogyakarta During 2000s
Write-up by: Mikke Susanto
Yogyakarta telah menjadi wilayah yang sangat penting dalam peta seni rupa kontemporer Indonesia, bahkan di level internasional, terutama kawasan Asia Pasifik. Sejumlah hal yang penting di dalamnya terkait pada masalah wilayah & budaya, infrastruktur (art world), serta prestasi para perupanya. Yogyakarta yang disebut juga sebagai kota perjuangan, kota pendidikan, dan kota seni telah memberi pengaruh terhadap perkembangan budaya (seni) wilayah lain di Indonesia. Dan, era 2000 menjadi penanda penting dalam artikel ini, bukan saja karena ramainya pemetaan seni rupa kontemporer internasional semata, tetapi kehidupan pasca Reformasi 1998 di Indonesia telah membuka ide-ide seni yang sebelumnya tertutup. Artikel ini secara khusus membahas ragam tema yang terjadi dalam perkembangan seni rupa kontemporer di Yogyakarta setelah era 2000an tersebut.
Yogyakarta has become a very important region in the map of contemporary art in Indonesia, even at the international level, especially the Asia Pacific region. A number of important things are related to regional & cultural issues, infrastructure (art world), and the achievements of their very own local artists. Yogyakarta, which is also known as the city of struggle, the city of education, and the city of art, has influenced the development of culture (art) in other regions in Indonesia. And, in the 2000s became an important marker in this article, not only because of the international contemporary art mappings alone, but post-Reformation 1998 lifestyle in Indonesia has opened up art ideas that were previously disolved. This article specifically discusses the various themes that occurred in the development of contemporary art in Yogyakarta after the 2000s.
Tahun 2000 merupakan tahun yang penting untuk mengenal dan menguak berbagai peristiwa seni dan karya seni rupa kontemporer di Indonesia, khususnya di Yogyakarta. Tepat dua tahun sebelumnya, yaitu 1998, Indonesia mengalami pergolakan besar berupa Reformasi Politik. Reformasi ini berakhir dengan mundurnya Suharto sebagai presiden yang telah berkuasa selama 32 tahun. Reformasi politik ini akhirnya menjadi titik balik dalam segala aspek kehidupan berbangsa. Setidaknya setelah tahun 1998, tepatnya setelah presiden baru terpilih di tahun 1999 Indonesia memasuki era yang lebih terbuka, demokratis, dan memberi berbagai peluang.
The year 2000 was an important year to get to know and uncover various events of art and contemporary artworks in Indonesia, especially in Yogyakarta. Exactly two years earlier, namely 1998, Indonesia experienced a major upheaval in the form of political reform. These reforms ended with Suharto's resignation as president who had been in power for 32 years. This political reform eventually became a turning point in all aspects of national life. At least after 1998, precisely after the new president was elected in 1999 Indonesia entered an era that was more open, democratic, and gave various opportunities.
Seni rupa juga mendapat pengaruh. Pengaruh tersebut terutama terjadi pada keragaman konsep, teknik, dan tema. Jika pada era 1990an, lukisan masih begitu banyak mendominasi wacana seni rupa, meskipun karya-karya seni instalasi dan performance art juga mulai muncul dalam beberapa pameran. Pada dekade 90-an pada aspek tema, didominasi tema-tema tentang politik. Isu politik tidak saja dimplementasi dalam karya seni, tetapi diwarnai pula oleh beberapa peristiwa ketidakleluasaan perupa dalam menjalani kreativitas berkesenian.
Visual art also had an influence. Such influences are primarily on the diversity of concepts, techniques, and themes. In the 1990s, painting still dominated the visual art discourse, although works of installation art and performance art also began to appeared in several exhibitions. In the decade of the 1990s, the trend among the artist mostly about politics as their main course. Political issues are not only implemented in works of art, but are also colored by several events of the artist's inability to undergo artistic creativity.
Pada era 2000an hingga kini suasana mulai berbeda. Pada masa ini terjadi berbagai perilaku kreatif yang mencerminkan kedalaman, keragaman, dan kejelian dalam menangkap berbagai peluang bagi para perupa. Lukisan memang masih mendominasi, akan tetapi karya-karya seni instalasi, seni media baru, dan performance art berkembang melampaui masa sebelumnya. Seni-seni lokal dan jenis seni yang dahulu dianggap marginal seperti street art dan popular art juga telah menjadi wacana penting dalam seni rupa kontemporer di Yogyakarta.
In the 2000s until now the atmosphere began to be differentiate and variety. At this time, there are various creative behaviors that reflect depth, diversity, and foresight in capturing various opportunities for artists. Painting still dominating the art sceen, but installation artworks, new media art, and performance art are evolving beyond ever. Local arts and types of art that were once considered marginal such as street art and popular art have also become important discourses in contemporary art in Yogyakarta.
Keragaman jenis dan tema karya ini tentu saja berharga. Tema-tema kritik sosial/politik yang begitu kuat di era sebelum 2000, kini disentuh atau “disaingi”oleh tema-tema lain yang khas. Meskipun tema kritik sosial/politik tidak hilang atau berkurang, kreativitas pendekatan terhadap tema politik maupun tema-tema lain menyebabkan seni rupa Yogyakarta menuju era baru yang lebih beradab dan majemuk. Hal ini mewujudkan suasana seni rupa kontemporer di Yogyakarta lebih plural dan meriah.
The diversity of types and themes of this work is certainly valuable. The themes of social/political criticism that were so strong in the era before 2000, are now touched upon or "rivaled" by other distinctive themes. Although the theme of social/political criticism did not disappear or diminish, the creativity of the approach to political themes and other themes caused the fine arts of Yogyakarta to move towards a new, more civilized and plural era. This creates a more plural and festive atmosphere of contemporary art in Yogyakarta.

Seni Rupa Kontemporer
Contemporary Art
Terminologi dan paradigma seni rupa kontemporer sangat bervariatif. Keberagaman pemikiran tentang istilah ini adalah sebuah keniscayaan. Keberagaman opini juga menjadi daya tarik dan keunikan guna mengartikulasi sifat-sifat kontemporer dari sebuah perkembangan, secara khusus di sini adalah seni rupa kontemporer.
The terminology and paradigms of contemporary art vary widely. The diversity of thought about this term is a necessity. The diversity of opinions is also an attraction and uniqueness to articulate the contemporary traits of a development, specifically contemporary art.
Secara harfiah istilah “kontemporer” berasal dari kata contemporary, sebuah kata sifat dari bahasa Inggris, yang berarti: 1. Hidup atau terjadi selama satu periode waktu yang sama; 2. Saat ini; modern, misalnya contemporary history (sejarah masa kini); a contemporary artist (seorang peseni masa kini).[6]
Literally the term "contemporary" comes from the word contemporary, an adjective from the English language, which means: 1. Living or occurring during the same period of time; 2. Current; modern, e.g. contemporary history; a contemporary artist.
Pendapat pertama coba kita awali dari David Elliot, kurator Museum of Modern Art, Oxfort. Ia menulis sebagai berikut.
... pada era 1970-an ... seluruh gagasan Avant Garde runtuh dalam masyarakat Barat ... kemudian kita memasuki era 1980-an, sebuah masa yang disebut-sebut Postmodernisme, yaitu perkembangan yang menampilkan multivariousness, kembalinya nilai-nilai tradisional dan ... juga reaksinya yang justru menekan bentuk-bentuk baru yang radikal, yang menentang seluruh ekspresi kesenian yang dianggap ideal dalam bingkai High Art.[7]
The first opinion from David Elliot, curator of the Museum of Modern Art, Oxfort. He wrote as follows.
... in the 1970s... the whole idea of Avant Garde collapsed in Western society... then we enter the era of the 1980s, a time touted Postmodernism, that is, a development that displays multivariousness, the return of traditional values and ... also his reaction to suppressing radical new forms, which opposed the entire expression of art that was considered ideal in the frame of High Art.
Dan pernyataan di atas berpengaruh pada pendapat Jim selanjutnya, wacana seni (rupa) kontemporer muncul karena adanya reaksi terhadap paham westernisasi (pem-Barat-an dunia). Reaksi pada westernisasi itu berlanjut ketika muncul upaya mengkaji internationalisme, melalui:
-
Perkembangan arus utama yaitu perkembangan yang tercermin di pusat-pusat perkembangan (mainstream).
-
Perkembangan seni di area periferi (pinggiran) di luar Eropa-Amerika.
And the above statement later influenced Jim’s opinion, contemporary (fine) art discourse arose because of a reaction to westernization (the westerners at the side of the world). The reaction to westernization continued when efforts emerged to examine internationalism, through:
-
Mainstream development is a development that is reflected in the centre of development.
-
The development of art in peripheral areas (suburbs) outside European-American.
Pembagian ini dirasakan memaksa nilai-nilai sebagai standar. Kepercayaan itu mengakibatkan penolakan wacana seni rupa di luar arus utama seperti penolakan kurator Amerika Serikat memamerkan karya seni rupa Indonesia.[8] Konfrontasi lantas muncul, dari situ lahir pandangan mengkritik dominasi pranata seni rupa di arus utama (mainstream) dunia. Sejumlah perupa dan kurator independen dalam arus utama sendiri bersikap kritis pada dominasi itu. Reaksi di arus utama itu sedikit banyak berkaitan dengan kecenderungan menggunakan “seni rupa
that raises
[6] Diambil dan diterjemahkan oleh M. Dwi Marianto, “Berbagai Fenomena Seni dan Bingkai Pandang Terhadap Seni Kontemporer”, SENI, Jurnal Pengetahuan dan Penciptaan Seni, IV/01, Januari 1994, BP ISI Yogyakarta, p. 28.
[7] Jim Supangkat, “Multikulturalisme/ Multimodernisme”, Makalah Konggres Kesenian I 1995, p. 6, dan kutipan ini dari makalah “Unity in Diversity in International Art”, Jakarta April, 1995, seminar proceedings, p. 13.
[8] “Satu contoh tragis, ketika karya rupa Indonesia diikutsertakan pada pameran Kebudayaan Indonesia-Amerika (KIAS) tahun 1990. Seni rupa Indonesia pada pameran ini dianggap tidak memenuhi standar, sehingga ditolak di 30 museum seni rupa Amerika Serikat. Seni lukis tradisional yang lolos hanya bisa dipajang di museum antropologi dan galeri-galeri yang kebetulan punya hubungan baik dengan Indonesia”. (in “Modernisme Ero-Amerika dalam Visi Selatan”, Republika, Minggu 19 Pebruari 1995).
kontemporer” yang muncul sejak tahun 1970-an menggantikan istilah “seni modern”. Pergantian ini mencerminkan kondisi “Posmodern”, karena mengandung penolakan nilai-nilai modernisme.[9]
This division is perceived to force values as standards. This belief resulted in the rejection of fine art discourse outside the mainstream such as the refusal of the United States curators to exhibit Indonesian works of art. Confrontation then emerged, from which was born a view of criticizing the dominance of the art institutions in the mainstream world. A number of independent artists and curators in the mainstream themselves have been critical of that dominance. The backlash in the mainstream has more or less to do with the tendency to use "contemporary art" that emerged since the 1970s in place of the term "modern art". This substitution reflects the "postmodern" condition, as it contains a rejection of the values of modernism.
Masih menurut Jim, seni rupa modern diyakini terdiri atas hanya satu subtansi, tidak mengenal adanya keberagaman atau sering disebut sebagai homogenitas. Kesangsian pada Modernisme, universalisme, Internasionalisme yang muncul pada tahun 1970-an dalam seni rupa internasional terjadi melalui dua kenyataan; pertama, munculnya perkembangan dan pemikiran seni rupa kontemporer yang menentang Modernisme dan perkembangan linear (sejarah) seni rupa modern. Kedua, gagalnya Modernisme membuktikan kebenaran prinsip universalisme.[10]
Jim once againt explained that modern art is believed to consist of only one substance, not knowing the existence of diversity or often referred to as homogeneity. The skepticism of Modernism, Universalism, Internationalism that emerged in the 1970s in international art occurred through two realities; first, the emergence of contemporary art developments and thoughts that oppose Modernism and the linear (historical) development of modern art. Second, the failure of Modernism proves the truth of the principle of universalism.
Adapun menurut Yustiono, istilah seni rupa kontemporer memang pernah diperkenalkan di dunia seni rupa Indonesia pada tahun-tahun akhir 1970-an,[11] tetapi istilah itu tidak selazim istilah seni rupa modern atau tidak sepopuler sekarang. Istilah itu menjadi populer karena memenuhi kebutuhan akan suatu kata untuk mengganti kata “modern”. Mengapa dihindari? Karena hal itu berkaitan dengan perubahan besar di belahan barat yaitu gencarnya koreksi dan revisi atas nilai-nilai, konsep-konsep dan tata acuhan seni modern. Upaya ini telah mulai masa 1970-an dan memuncak pada tahun 1980-an dengan munculnya pemikiran alternatif yang disebut Posmodernisme.
According to Yustiono, the term contemporary art was indeed introduced in the Indonesian art world in the late 1970s, but the term was not as popular as it is now. The term became popular because it satisfies the need for a word in replacing the word "modern". Why is it avoided? Because it has to do with the great changes in the western hemisphere, namely the incessant correction and revision of the values, concepts and systems of modern art. This effort has begun in the 1970s and culminated in the 1980s with the emergence of an alternative known as Postmodernism.
[9] Jim Supangkat, “Kawasan Abu-Abu Seni Rupa Internasional”, Republika, 21 Mei 1995.
[10] Jim Supangkat, “Buku Putih Pameran GNB”, Jurnal Seni Rupa FSRD ITB, Volume II/1995, p.14. Hal ini juga dilontarkan oleh pemikir Perancis Derrida, Foucault, Jacques Lacan & Deleuze yang melakukan penyerangan terhadap ‘proyek modernisme’ yang konsep dasarnya telah diletakkan oleh pemikir Pencerahan abad 18. Karena didasari oleh anggapan bahwa kehidupan dunia modern telah mengalami kegagalan, terbukti dari kejadian dua kali Perang Dunia, kerusakan lingkungan, tidak teratasinya masalah kemiskinan dan ketidakadilan.
[11] Pemakaian istilah seni kontemporer di Indonesia a.l. dijelaskan:
The word ‘contemporary’ was first used in Indonesia in 1973 at an exhibitioin sculpture in Jakarta organised by G. Sidharta Soegijo. Seogijo used the word ‘contemporary’ to explain the exhibition because, in his opinion, some of the sculpture exhibited could no longer be categorised as modern...Jim Supangkat,” A Brief History of Indonesia Modern Art”, dalam Caroline Turner, ed., Tradition and Change: Contemporary Art of Asia and the Pasific, University of Queensland Press, 1994, p. 55.
Jadi penggunaan istilah seni rupa kontemporer belakangan ini, menandai adanya perubahan orientasi dan tata acuhan baru. Perubahan orientasi dan tata acuhan baru itu masih belum menampakkan arah dan sosok yang jelas hingga saat ini. Pada tahap awal perubahan ini dinampakkan dengan suatu sikap “perlawanan” kultural, yaitu perlawanan tehadap nilai-nilai yang dianggap menghina dan melecehkan seni modern di luar Barat.[12]
So, the recent use of the term contemporary art marks a change in orientation and a new layout. The change in orientation and new layout still does not reveal a clear direction and figure to this day. In the early stages, these changes were manifested by an attitude of cultural "resistance", that is, resistance to values that were considered insulting and harassing to modern art outside Western.
Pada aspek ide, seni rupa kontemporer menampakkan sosok penentang arus dominasi Modernisme, yang dipandang sebagai hadirnya azas ganda (double coding). Dan kecenderungan untuk menyerap pikiran-pikiran Posmodernisme juga nampak kuat. Hal itu nampak misalnya pada idiom-idiom yang sering dipakai seperti plural, etnik, multikulturalisme, gender, marginal dan lain-lain.
In the aspect of ideas, contemporary art reveals a figure of opposition to the current domination of Modernism, which is seen as the presence of a double principle (double coding). And the tendency to absorb the thoughts of Postmodernism also seems strong. This can be seen for example in idioms that are often used such as plural, ethnic, multiculturalism, gender, marginal and others.
Pendapat FX. Harsono[13] makin memperjelas bahasan ini, bahwa selama ini menurutnya kehadiran seni rupa kontemporer Indonesia diidentifikasi dengan munculnya sebuah kesadaran membebaskan diri dari belenggu nilai-nilai seni rupa modern yang datangnya dari Barat. Nilai-nilai modern yang hendak ditolak adalah terhadap dominasi satu nilai terhadap upaya eksplorasi, pengotakan dalam bentuk-bentuk seni lukis yang diadopsi dari seni modern Barat yang dirasakan seni rupa semakin elit. Penolakan ini tidak bisa disamakan dengan penolakan kaum Posmodern terhadap seni modern di Barat. Faktor utama yang membedakan adalah seni rupa modern dari Eropa-Amerika diadopsi secara terpenggal dan tumbuh dengan latar belakang budaya yang berbeda.
FX. Harsono’s opinion clarified this discussion, that so far according to him, the presence of Indonesian contemporary art is identified by the emergence of an awareness of freeing oneself from the shackles of modern art values that come from the West. The modern values to be rejected are against the domination of one value over explorations, a reflection in the forms of painting adopted from Western modern art that it feels increasingly elite. This rejection cannot be confused with the Postmodern rejection of Modern Art in the West. The main distinguishing factor is that Modern Art from European-American was adopted in a fragmented manner and grew up with a different cultural background.
Pemikiran Postmodern, menurut Harsono, mulai berkembang tahun 1970-an. Perkembangan ini tak luput dari pengamatan melalui teori Posmodern, termasuk Gerakan Seni Rupa Baru Indonesia yang dianggap awal dari seni kontemporer di Indonesia.[14] Artinya pemikiran tentang keragaman yang dianggap sebagai ciri yang paling dasar dari seni rupa kontemporer yang berlandaskan pada pemikiran Posmodern ini juga berlaku.
Meanwhile in Postmodern perspective, according from Harsono, began to develop in the 1970s. This development has not escaped observation through Postmodern theory, including the Indonesian New Fine Arts Movement which is considered the beginning of contemporary art in Indonesia. This means that the thought of diversity that is considered the most basic feature of contemporary art based on Postmodern thinking also applies.
[12] Yustiono, “Seni Rupa Kontemporer Indonesia dan Era Asia Pasifik”, Jurnal Seni Rupa FSRD ITB, Volume II/1995, p. 57.
[13] FX. Harsono,” Keragaman Seni Rupa Kontemporer”, Kompas, 1993.
[14] Jim Supangkat (ed.), “Gerakan Seni Rupa Baru Indonesia”, PT. Gramedia, Jakarta, 1979.
Keragaman di sini menurut Harsono adalah keragaman yang tumbuh dari komitmen seniman terhadap suatu keadaan sosial, politik, ekonomi, dan kebudayaan, bukan keragaman bentuk yang bertujuan untuk menunjukkan suatu penciptaan karya seni dan identitas pribadi yang unik, mempunyai nilai tinggi dan tidak bisa dimassakan serta memiliki nilai jual yang tinggi karena hal ini diyakini akan menjauhkan seni dari kehidupan dan semakin elite.
According to Harsono, diversity here is about the artist's commitment to social, political, economic, and cultural situation, not a diversity of forms that aims to show a unique creation of artwork and personal identity, has high value and cannot be socialized and also has a high selling point because this method is believed to keep art away from daily life and become elite (special).
Sarah E. Murray dalam pengantarnya pada pameran seni rupa Gerakan Non-Blok menulis bahwa seni rupa kontemporer Indonesia itu plural, tidak ada dominasi kecenderungan tertentu. Seni kontemporer Indonesia bisa diwakili mulai dari seniman Ancol di Jakarta hingga seniman instalasi yang ada di Tulungagung Jawa Timur. Dikatakan lebih jauh bahwa seni rupa kontemporer Indonesia mempunyai akar pada seni modern, yang telah mapan dan memiliki arti penting dalam kebudayaan pada tahun 1930-1940.[15]
Sarah E. Murray in her introduction to the art exhibition of the Non-Aligned Movement wrote that Indonesian contemporary art is plural, there is no predominance of certain tendencies. Indonesian contemporary art can be represented ranging from Ancol artists in Jakarta to installation artists in Tulungagung, East Java. It is further said that Indonesian contemporary art has its roots in Modern Art, which was well established and had significance to the culture in 1930-1940.
Demikian beberapa pendapat mengenai seni rupa kontemporer, dari sini dapat diambil kesimpulan umum bahwa istilah dan perkembangan seni rupa kontemporer di Indonesia telah mulai sejak 1970-an. Seni rupa kontemporer Indonesia mempunyai orientasi, konsep ide dan bentuk serta proses penciptaan yang bervariatif. Ditambah bahwa perkembangan seni rupa kontemporer Indonesia juga dipengaruhi oleh perkembangan seni rupa Barat, seperti halnya kembali pada nilai-nilai tradisional, mengenal keragaman (heterogenitas), keberpihakan pada masalah-masalah yang ada pada sekitarnya, dan merupakan wujud koreksi, penolakan maupun jawaban atas masalah apa yang telah digariskan oleh seni modern (konvensi modernisme).
Thus, some opinions regarding contemporary art, from this can be drawn to the general conclusion that the term and development of contemporary art in Indonesia has started since the 1970s. Indonesian contemporary art has a varied orientation, concept of ideas and forms as well as a process of creation. In addition, the development of Indonesian contemporary art is also influenced by the development of Western art, as well as returning to traditional values, recognizing diversity (heterogeneity), partiality to the problems that exist around it, and is a form of correction, rejection and answer to problems that was outlined by Modern Art (conventions of modernism).
Kehidupan Seni di Yogyakarta
Art Sceen in Yogyakarta
Dalam artikel ini perlu dijelaskan mengenai posisi lokus, yakni Yogyakarta. Mengapa perkembangan yang terjadi di Yogyakarta sangat penting dalam perkembangan seni rupa kontemporer di Indonesia?
In this article, it is necessary to explain the position of the locus, namely Yogyakarta. Why are the developments taking place in Yogyakarta so important in the development of contemporary art in Indonesia?
[1] Sarah E. Murray,”Modernism, Modernity, and Contemporary World Art: Contemporary Indonesian Art in a Global Perspective”, Katalog Pameran Seni Rupa Gerakan Nonblok, Galeri Nasional Indonesia Jakarta, 1995. p. 21.
Belakangan ini prestasi perupa kontemporer Yogyakarta di dunia seni rupa global kian meningkat. Peningkatan ini tidak mungkin terjadi tanpa alasan. Perkembangan yang terjadi disuatu wilyah tentu dipengaruhi oleh berbagai faktor.
Recently, the achievements of Yogyakarta contemporary artists in the global art world have increased. This increase is impossible for no reason. The development that occurs in a region is certainly influenced by various factors.
Asumsi awal yang dapat dikemukakan adalah meriahnya aktivitas pameran, munculnya kelompok kerja seni, kompetisi seni, penghargaan (award), sampai pasar penjualan karya seni rupa di Indonesia. Berbagai aktivitas ini didominasi oleh seniman di Yogyakarta. Secara sadar maupun tidak, realitas ini telah menjadi tanda penting saat melihat Yogyakarta sebagai kota seni yang penting di Indonesia.
The initial assumptions that can be put forward are the excitement of exhibitions, the emergence of art working groups, art competitions, awards, until to the market for selling fine art works in Indonesia. These activities are dominated by artists in Yogyakarta. Consciously or unconsciously, this reality has become an important sign when looking at Yogyakarta as an important art city in Indonesia.
Sejumlah aktivitas tersebut mendukung terjadinya iklim yang sangat kondusif bagi perkembangan seni rupa kontemporer di Yogyakarta. Artprice, sebuah lembaga data dan riset mengenai pasar seni rupa dunia yang berkedudukan di Paris, dalam sebuah laporan tahunan bertajuk “Contemporary Art Market 2007/2008” (Artprice Annual Report) menulis bahwa ada 9 nama perupa kontemporer Indonesia yang masuk dalam 500 besar seniman yang karyanya terjual dengan harga tertinggi di bursa lelang di dunia. Sembilan perupa itu, semuanya berproses dan tinggal di Yogyakarta. Mereka adalah Nyoman Masriadi (berada di urutan 41), Agus Suwage (122), Rudi Mantovani (142), Putu Sutawijaya (152), Yunizar (176), Handiwirman Saputra (250), Budi Kustarto (316), Jumaldi Alfi (384), dan M. Irfan (481).
A number of these activities support a climate that is very conducive to the development of contemporary art in Yogyakarta. Artprice, a Paris-based data and research institute on the world art market, in an annual report titled "Contemporary Art Market 2007/2008" (Artprice Annual Report) wrote that there are 9 names of Indonesian contemporary artists who are included in the top 500 artists whose works are sold at the highest prices on auction exchanges in the world. The nine artists, all in process and live in Yogyakarta. They are Nyoman Masriadi (41st), Agus Suwage (122nd), Rudi Mantovani (142nd), Putu Sutawijaya (152nd), Yunizar (176th), Handiwirman Saputra (250th), Budi Kustarto (316th), Jumaldi Alfi (384th), and M. Irfan (481st).
Nama-nama perupa Yogyakarta di atas menyeruak di antara sekitar 160-an seniman papan atas China, antara lain Zhang Xiaogang, Zeng Fanzhi, dan Yue Minjun yang masing-masing berada di urutan 5, 6, dan 7. Mereka juga menyelip di antara nama-nama perupa kelas dunia dewasa ini yang kita bersama telah dikenal kualitas karyanya, seperti Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, Damien Hirst, serta Richard Prince yang secara berurutan berada di deretan pertama, 2, 3 dan 4. Dalam “kerumunan” tersebut juga tercetak nama-nama besar yang lain seperti Takashi Murakami (8), Keith Haring (16), Anish Kapoor (18), Yoshitomo Nara (21), Banksy (22), Anselm Kiefer (25), Julian Schnabel (47), dan ratusan nama top lain.
The names of the Yogyakarta artists above are among some of China's top 160 artists, including Zhang Xiaogang, Zeng Fanzhi, and Yue Minjun who are ranked 5th, 6th, and 7th respectively. They also slip among the names of today's world-class artists whom we all have known for the quality of their work, such as Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, Damien Hirst, and Richard Prince who are in the first row, 2, 3 and 4 respectively. In the "crowd" were also printed other big names such as Takashi Murakami (8), Keith Haring (16), Anish Kapoor (18), Yoshitomo Nara (21), Banksy (22), Anselm Kiefer (25), Julian Schnabel (47), and hundreds of other top names.
Realitas ini tentu memiliki daya dukung, pendorong, serta memiliki perhitungan-perhitungan dan keserasian antara kesempatan dan keinginan seniman dalam berprestasi. Diperlukan sejumlah informasi tentang apa saja daya dukung tersebut. Berikut beberapa hal yang menjadi daya dukung yang turut mempengaruhi perkembangan seni rupa kontemporer di Yogyakarta.
This reality certainly has a carrying capacity, a driver, and has calculations and harmony between the opportunity and the desire of the artist to achieve success. A certain amount of information are need to understand about what the philosophy is. Here are some things that what the philosophy’s capacity that also influence the development of contemporary art in Yogyakarta.
Pertama lembaga pendidikan seni, utamanya kehadiran Institut Seni Indonesia (ISI) Yogyakarta. Yogyakarta dikenal sebagai kota pendidikan. Perguruan tinggi di kota ini luar biasa banyak. Dengan adanya lembaga pendidikan tinggi seperti ini, menyebabkan Yogyakarta dinilai memiliki peluang sebagai tanah atau kawasan yang terbuka dengan berbagai kebudayaan. Selain itu, secara khusus lembaga pendidikan tinggi seni seperti ISI Yogyakarta, melalui dosen, mahasiswa, maupun alumni aktif berperan baik sebagai seniman maupun impetus pendukung, baik sebagai seniman maupun kritikus, kurator dan pengelola event.
First is an art education institution, especially the presence of the Indonesian Institute of the Arts (ISI) Yogyakarta. Yogyakarta is known as the city of education. The number of colleges in this city are amazingly magnificient. With the existence of higher education institutions like this, Yogyakarta is considered to have opportunities as a land or area that is open to various cultures. In addition, specifically art higher education institutions such as ISI Yogyakarta, through lecturers, students, and alumni actively play a role both as artists and supporting impetus, art critics, curators and event managers.
Kedua adalah lahirnya pilar-pilar penunjang berupa infrastruktur seni, diantaranya adalah peran atau keberadaan galeri, museum, dan lembaga lainnya yang sejenis. Sejak dekade 1970-an, Yogyakarta telah diramaikan oleh kehadiran art space, mulai dari Senisono Art Gallery yang muncul pada 1973, hingga yang terbaru Langit Art Space di 2016. Bahkan di Yogyakarta telah ada ruang seni “plus” atau sering disebut sebagai “ruang seni alternatif”. Artinya tidak hanya galeri yang notabene ruang pamer seni, tetapi juga ada warung makan, kafe, asrama, hotel, stasiun, jalan raya, maupun rumah privat sebagai ruang pamer atau “galeri” seni rupa. Infrastruktur yang terkait dengan perkembangan seni rupa kontemporer di Yogyakarta juga dihiasi dengan hadirnya ruang-ruang seni yang diselenggarakan oleh negara, contohnya adalah Taman Budaya Yogyakarta yang amat penting keberadaannya sampai saat ini. Lebih dari 20 ruang seni ada di Yogyakarta.
Second, the birth of supporting policies in the form of art infrastructure, including the role or existence of galleries, museums, and other similar institutions. Since the 1970s, Yogyakarta has been enlivened by the presence of art spaces, starting from the Senisono Art Gallery which appeared in 1973, to the latest Langit Art Space in 2016. Even in Yogyakarta there has been a "plus" art space or often referred to as an "alternative art space". This means that not only galleries are art showrooms, but there are also food stalls, cafes, dormitories, hotels, stations, highways, and private houses as showrooms or "galleries" of fine arts. Infrastructure related to the development of contemporary art in Yogyakarta is also decorated with the presence of art spaces organized by the state government. For example, the Yogyakarta Cultural Park which showed an important existence until now. More than 20 art spaces existed in Yogyakarta.
Selain galeri, ada pula lembaga museum dan organisasi pengarsipan yang turut mendukung keberadaan Yogyakarta sebagai kota seni. Setidaknya lebih dari 40 museum ada di Yogyakarta dan beberapa lembaga pengarsipan seni (seperti Indonesian Visual Art Archive-IVAA atau lainnya), telah tumbuh sejak masa menjelang tahun 2000, di Yogyakarta. Hal ini memberi sumbangan penting dalam proses pembelajaran para calon perupa yang akan menggantikan generasi sebelumnya.
In addition, other than galleries, there are also museum institutions and archiving organizations that also support the existence of Yogyakarta as an art city. At least more than 40 museums exist in Yogyakarta and several art archiving institutions (such as the Indonesian Visual Art Archive-IVAA or others), have grown since the time before 2000, in Yogyakarta. This contributes importantly to the learning process of aspiring artists who will replace the previous generation.
Ketiga adalah kekayaan dan iklim budaya lokal Yogyakarta yang telah terbentuk lama turut memberi angin yang kuat bagi aktivitas seni. Keberadaan Kraton Yogyakarta, dan Kraton Pakualaman sebagai pelindung kebudayaan memberi sumbangan yang baik, serta semakin menyuburkan kreativitas seni. Hal ini tentu saja turut mendukung ide-ide seniman, para penggagas pameran maupun kurator agar terjadi peristiwa budaya, yang makin lama terlihat semakin heterogen, baik dari sudut tema, teknik, latar belakang maupun ide.
Third, the richness and climate of the local culture of Yogyakarta which has been formed for a long time helps to encourage art activities. The existence of Kraton Yogyakarta, and Kraton Pakualaman as cultural protectors make a good contribution, and further nourish artistic creativity. This of course also supports the artists, exhibitionis and curators so that cultural events occur, which look increasingly heterogeneous, both from the theme, technique, background and ideas.
Sektor lain, di luar ketiga hal di atas, adalah karena didukung adanya harga kebutuhan hidup (pokok) yang terjangkau oleh mahasiswa/seniman pada umumnya. Di samping itu tumbuhnya apresian yang telah “melek seni” menyebabkan pameran-pameran di Yogyakarta meriah. Pemerintah daerah juga mendukung secara intensif kegiatan-kegiatan seni, misalnya dengan memberi anggaran dana pada program Biennale Jogja. Pergaulan antara perupa dengan individu di bidang non-seni rupa, atau antarbudaya atau antarnegara yang berbeda telah menunjukkan hal yang positif. Hal ini berdampak luar biasa. Pertemanan ataupun proses pembelajaran antar seniman/pekerja seni lain ini kemudian dapat menjadi salah satu sarana proses kreatif yang akan mampu menyumbangkan kekayaan kreatif dalam diri seniman, termasuk kekayaan jejaring (networking) yang menyebabkan individu tersebut mampu bekerja melampaui batas negara.
Another sector, apart from the three things above, are supported by the price of basic necessities that are affordable for students/artists in general. In addition, the growth of appreciation that has been "art literate" has caused exhibitions in Yogyakarta to be ;alive’. The local government also intensively supports art activities, for example funding the Biennale Jogja program. Associations between artists and individuals in non-performing fields, or between different cultures or between countries have shown positive responds and showed a tremendous impact. This learning process between artists / other art patron can then become one of the reasons why creative process will be able to contribute substance among the artist, include networking that causes someone or an individu to be able to work locally and internationally.
Dalam aspek historis, Yogyakarta telah lama berdiri sebagai kerajaan yang mandiri, dan sampai hari ini sebagai kota (bagian dari Indonesia). Tentu saja karena kota ini cukup tua, maka dinilai telah banyak menghasilkan gagasan dalam praktik kebudayaan. Praktik dalam menggagas program-program budaya telah dikerjakan secara turun temurun dari generasi ke generasi. Terbukti sampai saat ini, Yogyakarta dikenal sebagai kota “pameran” seni rupa. Terbukti pada setiap penyelenggaraan event tahunan seperti Artjog, di Yogyakarta terselenggara lebih dari seratus lima puluh pameran dalam waktu 2 minggu saja.
In the historical aspect, Yogyakarta has long stood as an independent government, and until this day become as one of important city (part of Indonesia). Of course, it might be the city is quite old, it is considered to have produced a lot of ideas in cultural practice. The practice of initiating cultural programs has been carried out for generations to the next generation. Proven until now, Yogyakarta is known as the city of art "exhibitions". For instance, an annual event such as Artjog (exhibition), Yogyakarta have more than one hundred and fifty exhibitions are held within 2 weeks.
Tema Karya Para Perupa
Artist’s Works of Art (Theme)
Salah satu hal penting dalam pembahasan karya-karya seni rupa kontemporer adalah persoalan tema. Tema merupakan bagian dari ide dan pemikiran perupa dalam berkarya. Pendekatan tematik menyediakan keseimbangan yang harmonis antara pemikiran diskursif dan visualisasi karya. Pendekatan tematik memberi jalan yang mudah dalam proses interpretasi karya. Dengan mendiskusikan tema karya, pembaca dituntun menuju penelusuran ide-ide yang memungkinkan masuk ke dalam persoalan totalitas ekspresi perupa. Dengan menelusuri persoalan tema, kita akan lebih fokus dalam penggalian makna karya, baik secara keseluruhan maupun parsial. Tema juga memberi timbal balik yang menarik terkait dengan teknik, bentuk dan subjectmatter karya.
One of the important things in the discussion of contemporary works of art is the issue of themes. Themes are part of the artist's ideas and thoughts in their work. The thematic approach provides a harmonious balance between discursive thinking and visualization of the work. The thematic approach gives an easy path in the process of interpretation of the work. By discussing the theme of the work, the reader is led to the search for ideas that allow entering into the problem of the totality of the artist's expression. By exploring the issue of the theme, we will focus more on exploring the meaning of the work, both in whole and in part. The theme also gives an interesting reciprocity related to the technique, form and subjectmatter of the work.
Berikut ragam tema karya-karya yang dominan dan menandai pergerakan seni rupa kontemporer era 2000an. Dalam setiap ragam atau jenis yang dikaji, ditelaah pengertian yang menjelaskan pengaruh, latar belakang ataupun opini perupa dalam menentukan gagasan dan tema tersebut. Perlu diketahui, tidak setiap perupa memilih atau memiliki hanya satu tema dalam berkarya. Dalam artikel ini secara khusus diidentifikasi tema yang paling dominan pada setiap perupa. Tema-tema tersebut antara lain sebagai berikut.
The following are the themes of the works that are dominant and mark the contemporary art movement of the 2000s. In each variety of themes can be about influences, background or opinion of the artist in determining their ideas. Please note that not every artist chooses or has only one theme in their work. In this article specifically identified the most dominant theme in each artist. These themes are;
-
Psikologi & Identitas Personal: Tema ini mempersoalkan identitas kedirian perupa. Identitas personal yang dimiliki oleh para perupa dinilai menjadi daya tarik, baik secara visual maupun konseptual. Identitas personal biasa dieksplorasi dalam bentuk figur potret diri, yakni seniman sebagai personifikasi “sang liyan” alias figur teralienasi. Di dalamnya bisa dilukiskan hanya sekadar menggali potensi diri, persoalan dan kegundahan diri, maupun hubungan diri seniman dengan lingkungan sekitar dalam bentuk-bentuk figuratif maupun non figuratif. Karya-karya Agus Suwage, Putu Sutawijaya, Budi Kustarto, Sugiyo Dwiarso, Budi Agung Kuswara, Wibowo Adi Utama, Ahmad Sobirin, Ayu Arista Murti, Nyoman Adiana, Yeri Padang, adalah contoh paling tampak dalam perkembangan seni rupa kontemporer di Yogyakarta dewasa ini.
Psychology & Personal Identity: This theme questions the artist's identity. The personal identity of the artists is considered to be an attraction, both visually and conceptually. Personal identity is commonly explored in the form of self-portrait figures, namely the artist as the personification of "Sang Liyan" aka alienated figure. In it, it can be described as just exploring self-potential, problems and self-distress, as well as the artist's self-relationship with the surrounding environment in figurative and non-figurative forms. The works of Agus Suwage, Putu Sutawijaya, Budi Kustarto, Sugiyo Dwiarso, Budi Agung Kuswara, Wibowo Adi Utama, Ahmad Sobirin, Ayu Arista Murti, Nyoman Adiana, Yeri Padang, are the most visible examples in the development of contemporary art in Yogyakarta today.
-
Kebendaan & Sehari-hari: Karya-karya dengan tema ini biasanya secara visual berbasis kebendaan. Tema ini merupakan lanjutan dari perkembangan lukisan alam benda (still-life) yang ada di era Modernisme. Karya-karya mereka pada umumnya menggali visualisasi kebendaan (objek alam dan benda) yang dikembangkan secara pribadi dalam bentuk yang tidak tergolong rasional. Bisa dikatakan memiliki gaya yang lebih dekat dengan konsep gaya Surealistik, namun lebih merupakan pengembangan bentuk secara visual dan personal. Zulkarnaini, Denny ‘Snod’ Susanto, Saftari, Bunga Jeruk, Rinaldi, Fransgupita, Gatot Indrajati, Nyoman Agus Wijaya, Wayan Upadana, Ichwan Noor, Lutse Lambert DM., Theresia Agustina Sitompul, Tommy Wondra, Muji Harjo, Ahmad Syahbandi, Kusna Hardiyanto, Kadek Ardika, Julnaidi MS., Angki Purbandono, Samsul Arifin adalah para perupa yang mengembangkan tema ini.
Materials & Everyday life: This theme is usually visually material-based. This theme is a continuation of the development of still-life paintings that existed in the era of Modernism. Their works generally delve into the visualization of the materiality (natural and objects) developed personally in a form that is not classified as rational. It can be said to have a style that is closer to the concept of Surrealistic style, but rather a development of form visually and personally. Zulkarnaini, Denny 'Snod' Susanto, Saftari, Bunga Jeruk, Rinaldi, Fransgupita, Gatot Indrajati, Nyoman Agus Wijaya, Wayan Upadana, Ichwan Noor, Lutse Lambert DM., Theresia Agustina Sitompul, Tommy Wondra, Muji Harjo, Ahmad Syahbandi, Kusna Hardiyanto, Kadek Ardika, Julnaidi MS., Angki Purbandono, Samsul Arifin were the artists who developed this theme.
-
Sosil/Politik, Nasionalisme dan Sejarah: Karya-karya mereka merupakan bagian dari tafsir sejarah, bukan merupakan riset sejarah yang kental dan ketat seperti yang dilakukan para peneliti. Posisi perupa terkadang berpihak pada salah satu golongan atau tidak netral. Tema-tema kritik sosial/politik yang Taring Padi dan M. Yusuf misalnya, dikembangkan merupakan bagian dari isu pemberdayaan publik atas peran pemerintah maupun korporasi-korporasi besar yang banyak menyengsarakan rakyat di beberapa proyek pembangunan korporasi. Adapun isu yang terkait dengan nasionalisme lebih mengarah pada hal-hal yang terkait dengan keberadaan isu keindonesiaan dan hubungan antar negara. Secara visual karya-karya mereka tampak verbal, keras, dan sangar. Beberapa karya lainnya terutama yang bertema nasionalisme dan sejarah lokal tetap mengedepankan visualisasi yang tenang dan rileks. Potret para pelaku sejarah dalam karya patung Basrizal Albara juga penting dikaji. Beberapa contoh karya-karya Budi Ubrux, Arya Pandjalu, Agus Triyanto, Eddy Sulistiyono, Seno Adrianto, Slamet Soneo, dan Wilman Syahnur perlu ditelusuri lebh lanjut.
Sociology/Politics, Nationalism and History: Their works are part of the interpretation of history, not constitute thick and rigorous historical research as researchers do. The position of the artist is sometimes in favor of one of the groups or is not neutral. The themes of social/political criticism that Taring Padi and M. Yusuf, for example, developed are part of the issue of public empowerment of the role of the government and large corporations that afflict many people in several corporate development projects. The issues related to nationalism are more focused on matters related to the existence of Indonesian issues and relations between countries. Visually their works seem verbal, loud, and sangar. Several other works, especially those on the theme of nationalism and local history, still prioritize calm and relaxed visualizations. Portraits of historical actors in the sculptural work of Basrizal Albara are also important to study. Some examples of the works of Budi Ubrux, Arya Pandjalu, Agus Triyanto, Eddy Sulistiyono, Seno Adrianto, Slamet Soneo, and Wilman Syahnur need to be explored further.
-
Formalisisme: Pengembangan tema ini digali dari aspek-aspek visual, seperti garis, warna dan tekstur. Tema ini berkutat pada persoalan formal seni sebagai inspirasi. Mereka tidak mengaitkan seni sebagai bagian dari persoalan kemanusiaan maupun politik. Kelompok Seni Rupa Jendela (Rudi Mantofani, Jumaldi Alfi, Handiwirman, Yunizar, Yusra Martunus) menjadi bagian penting dalam kasus ini, karena mereka tetap mengedepankan unsur rasa dan formal seperti pengelolaan tekstur, garis, bentuk, komposisi, dan warna dalam persoalan karya mereka. Perupa AT. Sitompul, Feri Eka Candra, Edo Pilu, M. Irfan, Yudhi Sulistyo, Kokok P. Sancoko, Yuli Prayitno, Dedy Sufriadi, Erizal As., Antoni Eka Putra, Made Wiguna Valasara, Yusron Mudakhir, Askanadi, Desrat Fianda, Widhi Kertya Semadi, adalah para perupa lain yang telah menggerakkan unsur-unsur visual dengan menggunakan berbagai pendekatan teknik yang dikelola secara individual. Adapun perupa Aditya Candra, Ali Umar, I Made Widya Diputra adalah para pematung yng berhasil menggali kemampun bahan an sich dalam berkaryanya.
Formalism: The development of this theme is dug from visual aspects, such as lines, colors and textures. This theme revolves around the formal issue of art as inspiration. They do not associate art as part of humanitarian or political issues. The Window Art Group (Rudi Mantofani, Jumaldi Alfi, Handiwirman, Yunizar, Yusra Martunus) became an important part of this case, as they still prioritized flavorful and formal elements such as the management of textures, lines, shapes, compositions, and colors in their work issues. Artist such as AT. Sitompul, Feri Eka Candra, Edo Pilu, M. Irfan, Yudhi Sulistyo, Kokok P. Sancoko, Yuli Prayitno, Dedy Sufriadi, Erizal As., Antoni Eka Putra, Made Wiguna Valasara, Yusron Mudakhir, Askanadi, Desrat Fianda, Widhi Kertya Semadi, are other artists who have moved visual elements using various individually managed engineering approaches. As for the artists Aditya Candra, Ali Umar, I Made Widya Diputra are sculptors who have succeeded in unearthing the ability of a sich material in their works of art.
-
Gender & Kekerasan Perempuan: Kajian mengenai keperempuanan juga ramai menjadi wacana. Beberapa perupa antara lain Arahmaiani yang kerap melakukan seni rupa pertunjukan, pelukis Laksmi Shitaresmi, Hardiana, dan Lia Mareza, keramikus Dona Prawita Arisuta, dan perupa yang kerap mengerjakan seni instalasi seperti Titarubi dan Koni Herawati banyak mengusung isu sekitar pemberdayaan dan dunia perempuan dalam karya-karyanya. Tema ini memang di dominasi oleh perupa berkelamin perempuan.
Gender & Women's Violence: The study of womanhood is also one of the themes in Yogyakarta artsceen. Some of the artists include Arahmaiani who often presenting her iconic performing arts, painters such as Laksmi Shitaresmi, Hardiana, and Lia Mareza, ceramic art like Dona Prawita Arisuta, and artists who often work on installation art such as Titarubi and Koni Herawati who bring many issues around empowerment and the world of women in their works. This theme is indeed dominated by female artists.
-
Revitalisasi Tradisi, Mitologi & Agama: Nama Nindityo Adipurnomo dan Anusapati adalah perupa yang sejak era 90-an begitu terkenal dalam perkembangan seni rupa kontemporer di Yogya dalam tema ini. Mereka banyak menguak persoalan kontra tradisi atas berbagai hal yang terjadi dalam kehidupan dan budaya lokal di Yogyakarta. Perupa-perupa baru seperti Jompet Kuswidananto, Anang Asmara, Made A. Palguna, Niko Siswanto, Teguh Wiyatno, Budi Hartono, Indiegeurillas, Warshito, Akhmad Nizam, Dita Gambiro, Komunitas Seni Seringgit adalah perupa-perupa yang bergerak pada ranah penggalian tema-tema tradisi. Sedangkan perupa Sigit Santosa, kerap melakukan kajian karya yang mengusung revitalisasi mitologi dan agama. Pematung Wahyu Santosa revitalisasi tradisi dengan mengekplorasi gesture tubuh para penari tradisional Indonesia.
Revitalization of Tradition, Mythology & Religion: The names Nindityo Adipurnomo and Anusapati are artists who since the 90s have been so famous in the development of contemporary art in Yogya in this theme. They revealed a lot of counter-tradition issues for various things that happened in local life and culture in Yogyakarta. New artists such as Jompet Kuswidananto, Anang Asmara, Made A. Palguna, Niko Siswanto, Teguh Wiyatno, Budi Hartono, Indiegeurillas, Warshito, Akhmad Nizam, Dita Gambiro, Seringgit Art Community are artists who are engaged in extracting traditional themes. Meanwhile, the artist Sigit Santosa, often conducts studies of works that carry out the revitalization of mythology and religion. Sculptor Wahyu Santosa revitalizes tradition by exploring the body gestures of traditional Indonesian dancers.
-
Sosial & Lingkungan: Tema ini menjadi bagian penting dalam perkembangan peradaban manusia. Krisis sumber daya alam, kerusakan lingkungan, globalisasi yang merusak lingkungan, dan berbagai persoalan manusia yang terkait dengan cuaca adalah hal penting dalam persoalan seni rupa kontemporer. Para perupa seperti Eddie Prabandono, Suraji, Yayat Surya, Hayatuddin, Catur Bina, Didik Nurhadi, Januri, Choirudin, Giring Prihatyasono, Herman Lekstiawan, Heri Purwanto, Aidi Yupri, Mulyo Gunarso, Y. Indra Wahyu, I Gede Made Suryadharma, Kadek Dedy Sumantrayasa, Gede Arya Sucitra, Alexis, Komroden Haro, Abdi Setiawan, Made A. Palguna, Melodia, Hedi Hariyanto banyak merekam dan mengadopsi tema ini sebagai inspirasi dalam berkarya.
Socialization & Environment: This theme became an important part in the development of human civilization. Natural resource crisis, environmental damage, globalization environment damage, and various types of natural disaster are important in contemporary art issues. Artists such as Eddie Prabandono, Suraji, Yayat Surya, Hayatuddin, Catur Bina, Didik Nurhadi, Januri, Choirudin, Giring Prihatyasono, Herman Lekstiawan, Heri Purwanto, Aidi Yupri, Mulyo Gunarso, Y. Indra Wahyu, I Gede Made Suryadharma, Kadek Dedy Sumantrayasa, Gede Arya Sucitra, Alexis, Komroden Haro, Abdi Setiawan, Made A. Palguna, Melodia, Hedi Hariyanto recorded a lot and adopted this theme as inspiration in their work.
-
Universalitas & Isu Internasional: Tema ini menguak berbagai persoalan yang dibicarakan secara internasional. Banyaknya masalah yang terjadi di beberapa negara yang kemudian menjadi masalah bersama adalah bagian dari inspirasi berkarya. Pergoalan ideologi politik, isu rasisme, benturan peradaban, dan sejumlah kasus di banyak negara menjadi tema sentral dalam karya-karya mereka. Para perupa seperti Masriel, Galam Zulkifli, Bayu Widodo, Suroso, Wimo Ambala Bayang, Dicky Candra, Mella Jaarsma adalah contoh yang pas utuk menggambarkan tema ini.
Universal & International Issues: This theme reveals various issues that are discussed internationally. The number of problems that occur in several countries that later become common problems is part of the inspiration. The pursuit of political ideologies, the issue of racism, the clash of civilizations, and a number of cases in many countries became central themes in their works. Artists such as Masriel, Galam Zulkifli, Bayu Widodo, Suroso, Wimo Ambala Bayang, Dicky Candra, Mella Jaarsma are fitting examples to illustrate this theme.
-
Budaya Massa & Urban: Pemberdayaan kota maupun isu-isu yang terkait dengan kebudayaan kaum menengah kota/desa adalah persoalan yang kerap dihadapi oleh banyak perupa. Hasil-hasil budaya urban yang tengah populer, seperti seni jalanan, komik, film, permainan (game), mainan (toys), musik kontemporer, maupun kuliner adalah bagian dari kemajemukan dan variasi tema yang ada pada kasus ini. Karya-karya Nyoman Masriadi, Samuel Indratma, Bambang Toko Witjaksono, Eko Nugroho, Abdi Setiawan, Arie Dyanto, Dipo Andi, Bayu Yuliansyah, Nano Warsono, Gusti Ngurah Udiantara, Agus Yulianto, Wedhar Riyadi, Terra Bajraghosa, Uji Handoko, Ariswan Adhitama, Diki Leos, Daniel Timbul, Syaiful A. Rahman, Wedhar Riyadi, Farhansiki, Hendra Hehe, Kade Agus Ardika, Toto Nugroho, Iwan Effendi adalah para perupa yang mengedepankan tema ini.
Mass Culture & Urbanisation: Urban empowerment and issues related to the culture of the middle-class citizens in urban/village are problems that are often faced by many artists. The products of urban culture that are currently popular, such as street art, comics, movies, games, toys, contemporary music, and culinary are part of the plurality and variety of themes that exist in this case. The works of Nyoman Masriadi, Samuel Indratma, Bambang Toko Witjaksono, Eko Nugroho, Abdi Setiawan, Arie Dyanto, Dipo Andi, Bayu Yuliansyah, Nano Warsono, Gusti Ngurah Udiantara, Agus Yulianto, Wedhar Riyadi, Terra Bajraghosa, Uji Handoko, Ariswan Adhitama, Diki Leos, Daniel Timbul, Syaiful A. Rahman, Wedhar Riyadi, Farhansiki, Hendra Hehe, Kade Agus Ardika, Toto Nugroho, Iwan Effendi are the artists who put forward this theme.
-
Dunia Absurd, Sains, Cyber & Posthuman: Meskipun tema ini tidak terlalu dominan, tetapi kenyataannya bertebaran di pelosok kota Yogyakarta. Mereka tidak bekerja hanya melukis atau berkarya, terkadang mereka menjadi bagian dari kehidupan dan fantasi yang mengarah pada dunia yang tampaknya “un-real” maupun nyata. Para perupa seperti M. Rusnoto Susanto, Setyo Priyo Nugroho, Andi Wahono, Nico Ricardi, Robi Fathoni, Rocka Radipa, Venzha Cristiawan, M. Wira Purnama, AC. Andre Tanama, Edo Pop banyak melukiskan figur-figur fantasi tentang keberadaan makhluk alienatif. Selain itu perupa Venzha Cristiawan bersama kelompoknya bernama House of Natural Fiber (HoNF) juga pernah melakukan riset biokimia pada beberapa elemen makhluk hidup dalam karya-karyanya, juga menggabungkan persoalan energi gelombang elektromaknetik dengan karya seni. Dalam konteks ini bisa dikatakan bahwa seniman sebagai peneliti amatir yang menyelami dunia non-seni.
The Absurd World, Science, Cyber & Posthuman: Although this theme is not dominant, but in fact it is scattered in remote parts of the city of Yogyakarta. They don't work just painting or creating, sometimes they become part of lives and fantasies that lead to seemingly "un-real" or real worlds. Artists such as M. Rusnoto Susanto, Setyo Priyo Nugroho, Andi Wahono, Nico Ricardi, Robi Fathoni, Rocka Radipa, Venzha Cristiawan, M. Wira Purnama, AC. Andre Tanama, Edo Pop paints a lot of fantasy figures about the existence of alienative creatures. In addition, artist Venzha Cristiawan and his group called House of Natural Fiber (HoNF) have also conducted biochemical research on several elements of living things in his works, also combining the problem of electromacnetic wave energy with works of art. In this context it can be said that the artist as an amateur researcher who dives into the world of non-art.
Berbagai ragam tema dalam karya-karya seni rupa kontemporer tersebut tetaplah disatukan oleh konsep umum yang terjadi di balik perkembangan seni rupa kontemporer secara umum. Konsep teknik seperti kolase dan instalasi, baik yang berupa tempelan benda asli maupun dilukis, difoto, proses scanning, menjadi instrumen yang banyak dikerjakan oleh para perupa. Konsep pemikiran berupa pengembangan kemampuan seperti parodi,[16] pastice,[17] dan plesetan juga
[16] Parodi adalah peniruan terhadap gaya atau ungkapan khas seniman sehingga tampak humoristik dan absurd. Peniruan ini bersifat ironi dan kritis bahkan bermuatan politik dan ideologis. Parodi sering “mengambil keuntungan” dari bentuk, gaya atau karya yang menjadi sasarannya (kelemahan, kekurangan, keseriusan atau bahkan kemasyurannya) dan merupakan satu bentuk wacana yang selalu memperalat wacana pihak lain. (Mikke Susanto, Diksi Rupa: Kumpulan Istilah & Gerakan Seni Rupa, Yogyakarta: Dictiart Laboratory, 2011, p. 292)
[17] Pastice berasal dari kata pasticcio (latin) berarti penyusunan elemen-elemen yang dipinjam (imitasi) dari beberapa gaya, pengarang atau seniman masa lalu. Pastiche bisa mempunyai pengertian miskin orisinalitas. Menurut Linda Hamilton, pastiche adalah satu bentuk imitasi murni, tanpa pretensi politis seperti parodi. Ia mengambil pelbagai gaya dan bentuk dari kepingan
dilakukan di banyak tema yang telah dikaji di atas. Sehingga yang tampak adalah terjadinya narasi tentang “alienasi” figur, benda, atau alam yang menjadi objek pada karya-karya tersebut. Seni rupa kontemporer di Yogyakarta, tentu tidak bisa dilepaskan dari peran wacana dan pasar yang berkembang di level internasional. Kemudahan akses mendapatkan informasi melalui internet maupun bacaan-bacaan seperti majalah, katalog pameran maupun lelang, buku-buku referensi adalah hal penting yang mampu memberi inspirasi kreatif dalam penciptaan dan ragam tema. Seringnya terjadi pertukaran seniman antar negara yang dilakukan oleh beberapa galeri, lembaga seni, ataupun perorangan turut menyumbang keadaan Yogyakarta sebagai kota yang dinamis.
The variety of themes in contemporary works of art is still mixed by the general concept that occurs behind the development of contemporary art in general. Technical concepts such as collages and installations, both in the form of original patches and painted objects, photographed, scanning processes, become instruments that are widely worked by the artists. The concept of thinking in the form of developing abilities such as parody, pastice, and pun is also carried out in most of the studied themes above. So, what appears is the occurrence of a narrative about the "alienation" of figures, objects, or nature that are ‘objects’ in these works. Contemporary art in Yogyakarta, of course, cannot be separated from the role of discourse and a growing market at the international level. Easy access of informations through the internet and readings such as magazines, exhibition catalogs and auctions, reference books are important things that are able to provide creative inspiration in the creation and variety of themes. The frequent exchange of artists between countries carried out by several galleries, art institutions, or individuals contributes to the situation of Yogyakarta as a dynamic city.
Kesimpulan akhir yang bisa ditarik adalah hampir semua perupa kontemporer di Yogyakarta dalam menyoroti segala hal yang ada di sekitarnya atau yang ada di luar diri mereka, selalu ditafsir dari kacamata “sang Liyan”. “Sang Liyan” ini merupakan sebentuk pemikiran yang dilatari oleh banyaknya hal yang terakumulasi dalam diri mereka. Perbedaan dan latar belakang budaya, ras, agama, maupun sejarah hidup yang mereka miliki menyebabkan apapun yang dilukiskan menjadi multiinterpretatif. Inilah sebabnya, para perupa kontemporer dimana pun berada, memang tidak bisa melepaskan diri dari arena yang disebut oleh banyak ahli sebagai fenomena Posmodern. +++
As conclude, almost all contemporary artists in Yogyakarta in highlighting everything that is around them or outside their surroundings, is always interpreted from the perspective of "Sang Liyan". This "Sang Liyan" is a form of thought motivated by a lot of things accumulated in them. Their differences and cultural, racial, religious, and life history differences and backgrounds cause anything depicted to be multi-interpretative. That is why, any contemporary artists from any places, cannot escape the ‘grounded theory’ that many experts call a Postmodern phenomenon. ++
Bibliography
Harsono, FX.,”Keragaman Seni Rupa Kontemporer”, Kompas, 1993
Marianto, M. Dwi, “Berbagai Fenomena Seni dan Bingkai Pandang Terhadap Seni Kontemporer”, SENI, Jurnal Pengetahuan dan Penciptaan Seni, IV/ 01, Januari 1994, BP ISI Yogyakarta
Murray, Sarah E.,”Modernism, Modernity, and Contemporary World Art: Contemporary Indonesian Art in a Global Perspective”, Katalog Pameran Seni Rupa Gerakan Nonblok, Galeri Nasional Indonesia Jakarta, 1995
Supangkat, Jim (ed.), “Gerakan Seni Rupa Baru Indonesia”, PT. Gramedia, Jakarta, 1979
sejarah, mencabutnya dari semangat zamannya dan menempatkan dalam konteks kekinian. Pastiche bagi Baudrillard disebut “titik balik sejarah”. Sedangkan Fredric Jameson secara metaforis mengatakannya sebagai “penggunaan topeng sejarah, pengungkapan dalam bahasa yang telah mati”. Dalam kaitan ini Jameson menggolongkan berbagai gaya pascamodernisme berdasarkan kriteria masa lalu yang dirujuk: postmodern Barok, postmodern Rokoko, postmodern Neoklasikisme, postmodern Romantik. Penggolongan ini dengan mudah dicontoh bahwa Las Vegas dijuluki kota pastiche. (Mikke Susanto, Diksi Rupa: Kumpulan Istilah & Gerakan Seni Rupa, Yogyakarta: Dictiart Laboratory, 2011, p. 294)
________ , “Buku Putih Pameran GNB”, Jurnal Seni Rupa FSRD ITB, Volume II/1995
________ , “Kawasan Abu-Abu Seni Rupa Internasional”, Republika, 21 Mei 1995
________ , “Multikulturalisme/ Multimodernisme”, dalam seminar proceedings “Unity in Diversity in International Art”, Konggres Kesenian I, Jakarta April, 1995
Susanto, Mikke, Diksi Rupa: Kumpulan Istilah & Gerakan Seni Rupa, Yogyakarta: Dictiart Laboratory, 2011
Turner, Caroline (ed.), Tradition and Change: Contemporary Art of Asia and the Pasific, University of Queensland Press, 1994 Yustiono, “Seni Rupa Kontemporer Indonesia dan Era Asia Pasifik”, Jurnal Seni Rupa FSRD ITB, Volume II/1995
Mikke Susanto
Born in Jember, East Java. Lecturer in Faculty of Visual Arts in Indonesian Institute of Art, Yogyakarta. Active as an art criticism at national mass media and journals. He worked as an independent curator. More than 80 exhibitions have been done. Mikke have produced about 25 books. Before starting his Ph.D, Mikke completed his master degree at Gadjah Mada University where he focused on history of President Sukarno’s art collection.