​

 

 

 

 

 

       Maka Kamal menterjemahkan beberapa lagi kepercayaan masyarakat lokal disekelilingnya dalam bentuk lukisan 2 dimensi. Antaranya seperti situasi ketika hujan dan banjir, suasana berkumpul, mencari hasil laut ditepi sungai, berjualan dipasar terapung, membela dan memelihara haiwan, tulisan mendapat tuah (mandarin), dapur arang, menyabit rumput dan pelbagai macam ragam lagi. Namun disebalik tuah dan pantang larang yang diamalkan oleh masyarakat sekeliling ini, ia secara tidak langsung menunjukkan perasaan mereka melalui raut wajah yang dikartunkan oleh Kamal seperti perasaan gembira, rindu, kelakar, kenangan, segan-silu, merendah diri, bersyukur, terkejut mahupun pelik. Boleh jadi juga watak kanak-kanak yang divisualkan oleh Kamal adalah ‘semangat’ kepada watak orang dewasa, orang tua mahupun objek dalam karya-karya beliau. Saya berkata demikian kerana perbincangan bersama Kamal sebelum ini tentang watak budak lelaki tersebut.

​

        Kamal translated some of the local community's beliefs around him into of a two-dimensional watercolour painting. For instance, the situation when it rains and floods, the gathering hype, the search for sea products by the riverside, the floating market, animals petting, writing a bit of good luck (in mandarin), charcoal stoves, sculpting grass and many more. However, despite the good luck and taboos practised by the surrounding community, it indirectly shows their feelings through the facial expressions cartooned by Kamal, such as happy, remembering, funny, memories, shyness, humility, gratitude, surprise and strange. It may also be that the children's characters visualized by Kamal are the 'spirits' (caretakers) among the adults, parents and even objects in his works. I said this because of a discussion with Kamal earlier about the character of a boy he drew.

​

       Melalui pemerhatian saya, memori yang divisualkan oleh Kamal bukan sahaja pengaruh sekeliling dan nilai budaya masyarakat setempat, namun kepercayaan masyarakat lokal ditempatnya yang masih ‘lekat’ dengan kuat sehingga kini. Boleh jadi kesan politik semasa, kepercayaan tertentu ini nampak unik tetapi masih dipraktikkan dan sukar untuk ‘tenggelam’ dalam tempoh 10-20 tahun lagi.[3] Maka itu juga menunjukkan kontranya, kerana walaupun ditadbir berlandaskan syariah, jangan pula dekorasi tersebut ‘dipadam’ sewenangnya.

​

       Through my observations, memories that was visualized is not only influenced by the surrounding and the cultural values of the local community, but the beliefs of the people in the society that are still firmly attached to the previous generation. It can be the current political impact, this belief seems unique but is still practiced, and difficult to 'sink' for the next 10-20 years. Thus, it showed ‘contrast’, due to Islamic sharia (law), the practice should be unrestricted.

 

​

SORFINA DAN ARCA SERAMIK ALAMnya (DAN MANUSIA)

SORFINA AND HER CERAMIC SCULPTURES OF NATURE (AND MAN)

 

        Sama seperti mana-mana pameran yang dianjurkan dibawah sesebuah institusi pengajian tinggi atau universiti awam, ketika proses bertukar dan berbalas mesej dengannya, Sorfina agak tenang dan happy-go-lucky. Sorfina seakan faham dengan pameran tipikal ini adalah seperti kebiasannya. Saya bersetuju namun perbezaan jelas disini adalah lokasi gelanggang dengan view dari pelbagai pihak termasuk para pelajar antarabangsa dari peringkat pasca siswazah.

​

     Like any exhibition organized under a higher education institution or a public university, during the process of exchanging and responding to messages with her, Sorfina is relatively calm and a happy-go-lucky person. Sorfina seems to understand that this typical exhibition was as usual as it was. I agree with her, but the difference here is the location of the places with views from various parties, including international students from the postgraduate level.

                                 

[3] Penulis merujuk keputusan penuh PRU-15 di negeri kelahiran Kamal.

​

        Mungkin subjek berkaitan alam (dan manusia) menjadi pilihan kepada Sorfina menghasilkan arca seramik, maka beliau merasakan ada baiknya jika karya tersebut dipertontonkan kepada ahli akademik di gelanggang yang berbeza. Namun berbeza dengan Kamal, Sorfina menterjemahkan subjeknya dalam karya berbentuk 3 dimensi. Sorfina merujuk beberapa bahan semulajadi seperti pokok atau dahan pokok yang telah mati, cendawan dan ranting kayu. Sorfina kemudian cuba memahami kesan semulajadi terhadap subjeknya seperti kesan diseliputi dengan kulat, alga, lumut, cendawan kecil dan sebagainya yang dianggap sebagai parasit kepada subjek-subjek pilihannya. Sorfina sengaja menambah beberapa bahan seperti dawai sebelum mengindahkan karya arca seramiknya dengan bahan pewarna agar ketelitian dan kesamaan bahan rujukan mirip dengan arca yang dihasilkan.

​

         Perhaps the subject of nature (and man) was the choice for Sorfina to produce ceramic sculptures, so she felt it would be good if the work was shown to other academicians from different expertise. Yet, in unlike to Kamal, Sorfina translates her subject into a 3-dimensional work. Sorfina refers to natural subjects such as a dead tree or tree branches, mushrooms and wood twigs. Sorfina then tries to understand the natural effects on the selected subject, such as the effects of being covered with fungi, algae, moss, tiny mushrooms, and so on that are considered parasites to the subjects of her choice. Sorfina deliberately added some material, such as wire before heeding his ceramic sculpture work with colouring material so that the thoroughness and similarity of the reference material were similar to the sculpture.

​

      Boleh jadi juga, Sorfina berusaha menunjukkan kemahirannya menghasilkan arca seramik dengan teliti tanpa perlu menggayakannya sehingga tidak ada langsung unsur karektor terhadap subjek tersebut. Menghasilkan sesuatu arca seramik berdasarkan subjek yang dirujuk adalah satu proses yang memerlukan komitmen tinggi serta kesabaran yang jitu. Maka saya berpendapat Sorfina berjaya dengan usaha tersebut. Manakala  rujukan terhadap alam (dan manusia) ini antara sebab utama mengapa Sorfina sengaja menambah bahan dawai sebagai melengkapi arca seramiknya. Mungkin penambahan dawai buatan manusia tersebut jelas menunjukkan mesej yang ingin disampaikan oleh Sorfina kepada penonton, iaitu tentang kepekaan dan kesedaran terhadap alam sekitar. Mengapa pentingnya keberadaan manusia untuk sentiasa bertanggungjawab mengekalkan kehijauan alam sekitar disamping kemajuan teknologi dan pembangunan setempat.

​

        Perhaps, Sorfina tries to demonstrate her skill in producing a good sound ceramic sculpture carefully without having to stylize the 3d artwork until vanishing its character. Making a ceramic sculpture based on the subject referred to is a process that requires full commitment and patience. I think Sorfina succeeded with her own idea and effort. At the same time, this reference to nature (and man) is one of the main reasons why Sorfina deliberately added wire material to complement its ceramic sculpture. Perhaps the addition of such artificial wire demonstrates the message Sorfina wants to convey to the audience, which is about environmental awareness. It is essential for human existence always to be responsible for maintaining and protecting nature exposed to today’s advanced technology and development.

​

        Saya menyerahkan segala pandangan dari sahabat-sahabat saya berkaitan hasil karya dari kedua orang artist ini. Saya percaya dengan pengalaman sebagai seorang pelajar dari Jabatan Seni Visual, memberi huraian, menerangkan, menyatakan dan memberi pendapat tentang pameran dan hasil karya dari Kamal dan Sorfina. Tidak dilupakan penulisan artikel dari sahabat diperantauan seperti Pak Syahrizal Pahlevi, Pak Mikke Susanto dan Brydee Rood. Maaf guys kerana ia mengambil masa yang agak lama untuk menerbitkan karya tulisan anda (rujuk penulisan khas/special write-up). Terima kasih diucapkan atas komitmen anda terhadap tugasan sebagai penulis jemputan pada pameran kali ini. Terima kasih juga kepada Dr. Simon kerana menyediakan ruang pameran kepada mereka berdua (Kamal dan Sorfina) mempersembahkan karya-karya mereka.

​

Regarding the work of these two artists, I convinced my colleague from the Dept. of Visual Art to give their own interpretation of Kamal and Sorfina’s artworks in their writing styles. Thank you for being so committed as a guest writer for this exhibition.  Your knowledge and experience as a postgraduate student from our department (Visual Arts), wouldn’t be trouble sorting out describing, explaining, expressing and giving opinions on this exhibition and works from them (Kamal and Sorfina). Not forgotten international write-up by Pak Syahrizal Pahlevi, Pak Mikke Susanto and Brydee Rood. My sincere apologies to them since it took quite a while to publish the writings. Thank you to Dr. Simon for providing a space for Kamal and Sorfina to present their current artworks.

​

​

MERAIKAN SUBJEK ALAM SEMULA JADI

CELEBRATING THE NATURE

​

Write-up by: Mira Hanafi

mirahanafi9020@gmail.com, mira.hanafi@siswa.um.edu.my

 

Karya Sorfina Zulaikha

Artwork by Sorfina Zulaikha

​

Hasil apresiasi terhadap karya seni visual telah dilihat bahawa Sorfina menghasilkan karya arca seramik yang menggambarkan flora atau tumbuhan alam semula jadi iaitu cendawan. Dapat dilihat juga artis menghasilkan replika cendawan yang melekat di batang-batang kayu yang berwarna bumi iaitu coklat kehitaman. Artis juga turut menghasilkan bentuk cendawan menggunakan dawai besi yang kelihatan seakan tumbuh bersama di permukaan batang kayu pokok. Artis turut menghasilkan arca cendawan berwarna putih bersama lilitan dawai yang seakan tumbuh melilit bergantung pada tumbuhan tersebut. Kesemua karya arca ini adalah telah diimitasikan daripada alam semula jadi dan artis cuba untuk menjadikannya serealistik yang mungkin yang boleh kita lihat dari segi warna dan teksturnya yang begitu halus dan terperinci.

​

Mushrooms are depicted in ceramic sculptures produced by Sorfina. Additionally, it can be observed that the artist created mushroom replicas affixed to earth-toned pieces of wood. Using iron wire, the artist also created a mushroom-like form that appears to be growing on the tree trunk. The artist also created a white mushroom sculpture with a coil of wire that appears to grow around the plant. These sculptures are imitations of nature, and the artist strived to make them as realistic as possible, as evidenced by the delicate and intricate colors and textures.

​

Dalam arca seramik ini, jelas dilihat bahawa artis cuba membawa tema atau mengekspresikan penghargaannya kepada elemen alam semula jadi dan cendawan adalah sepsis flora yang menarik minatnya. Artis begitu menitikberatkan tekstur dan warna arcanya agar kelihatan seperti cendawan hidup. Saya berpendapat artis telah melakukan kajian dan pemerhatian yang mendalam serta terperinci terhadap jenis flora ini. Artis tidak akan mampu menghasilkan arca cendawan serealistik ini tanpa mengetahui dan mengkaji secara dekat dan konsisten mengenai cendawan yang wujud di habitat semula jadinya.

​

It is evident from this work that the artist is attempting to convey a theme or express her appreciation for natural elements, and the mushroom is a species of flora that her interests. The artist emphasized the texture and hue of her sculpture to make it appear alive. I believe the artist has thoroughly investigated and observed this type of flora. The artist would only be able to create this realistic mushroom sculpture with an extensive and consistent study of mushrooms in their natural environment.

 

Pada pandangan saya, artis menunjukkan kemahiran artistik yang tinggi dari segi penghasilan arca yang memaparkan nilai alam semula jadi. Elemen seperti tekstur, bentuk, warna yang terperinci melambangkan pengetahuan artis mengenai cendawan serta saya kira manifestasi hubungan simbiotik antara artis dan alam semula jadi. Lilitan dawai besi mungkin melambangkan sesuatu yang bersifat artifisial yang wujud dan hidup bersama sesuatu yang bersifat semula jadi. Saya suka melihat karya ini dari sudut pandang Bioart memandangkan saya mempunyai latar belakang dan pengetahuan mengenai Bioart serta kaitannya yang rapat dengan alam semula jadi. Meski pun Bioart sering mengangkat penggunaan bahan organik atau dalam kes ini, cendawan sebenar berbanding seramik, penghasilan arca yang membentuk cendawan masih boleh dikira sebagai Bioart kerana Bioart itu meletakkan subjek bukan manusia dan mengangkat alam semula jadi sebagai tema.[4] Tiada beza bagi saya karya ini dengan karya seorang artis Bioart, Luke Jerram yang menghasilkan arca bakteria Escherichia coli menggunakan gelas. Kedua-duanya meraikan spesis atau makhluk lain yang turut menghuni bersama kita, yang secara tidak langsung membentuk satu hubungan simbiotik kepada ekosistem keseluruhannya. Bagi saya, entiti yang dibentuk menggunakan dawai boleh mewakili teknologi dan perkara-perkara artifisial yang dihasilkan oleh manusia terhadap alam semula jadi itu sendiri. Secara keseluruhannya, dapat saya katakan artis menghasilkan karya yang baik dari sudut realistik dan formalistiknya dalam mengangkat subjek alam semula jadi dan juga menunjukkan spesis cendawan mungkin mempunyai hubungan tertentu dengan pandangan peribadi artis. Namun begitu, artis mungkin mencuba[ah1]  untuk keluar dari zon selesa dengan menghasilkan karya sebegini melalui eksperimentasi terhadap material atau bahan yang baru, yang lebih bersifat organik contohnya.

​

Regarding creating sculptures that depicted the value of nature, artists demonstrated a high level of artistic skill. Elements such as textures, shapes, and detailed colours represent the artist's knowledge of mushrooms and, I believe, the artist's symbiotic relationship with nature. A coil of iron wire could represent something artificial that coexists with something natural. Since I have a background and knowledge of Bioart and its close relationship with nature, I enjoy examining this work from a Bioart perspective. Although Bioart frequently emphasizes the use of organic materials or, in this case, real mushrooms as opposed to ceramics, the production of mushroom-shaped sculptures can still be considered Bioart because Bioart places non-human subjects and elevates the theme of nature.[5] This piece is comparable to the work of Luke Jerram, a Bioart artist who created a glass sculpture of Escherichia coli bacteria. Both celebrate coexisting species or creatures, which indirectly form a symbiotic relationship with the entire ecosystem. In my opinion, wire-formed entities can represent technology and artificial things created by humans against nature. Overall, I can say that the artist has produced a realistic and formalistic work that raises

                                 

[4] Virdi, S. (2012)

[5] Virdi, S. (2012)

​

the issue of nature and demonstrates that mushroom species may have a connection to the artist's personal beliefs. Nonetheless, the artist should attempt to break out of her comfort zone by producing such works by experimenting with new or organic materials, for instance.

​

​

Karya Kamal Nawie

Artwork by Kamal Nawie

​

Artis telah menggunakan catan sebagai medium menyampaikan mesej tentang tema-tema berbentuk kehidupan seharian masyarakat di luar bandar. Beliau menggunakan subjek kanak-kanak, orang tua dan pelbagai lapisan masyarakat yang pakaiannya serta aktivitinya menggambarkan budaya dan perkara kebiasaan yang dijalankan masyarakat kampung. Latar belakangnya pula dihiasi dengan landskap dan persekitaran kampung di Malaysia. Penggunaan tona warna juga bersifat nostalgik dan melankolik seolah mengimbau memori zaman kecil. Boleh juga dikatakan bahawa catan ini juga mempunyai sedikit pengaruh impresionisme di mana artis menggunakan warna yang terang serta penggunaan elemen cahaya dalam kebanyakan catan beliau. Malahan, artis telah cuba mengetengahkan nilai estetik dalam aktiviti dan rutin harian yang biasanya dilakukan sehari-hari oleh masyarakat kampung berlatarkan suasana desa, diterjemahkan dan dibawa dalam adunannya yang tersendiri.

​

Artists use paint as a medium to communicate themes of rural daily life. He depicts children, the elderly, and various social strata whose attire and activities reflect the village community's culture and customs. The background is decorated with a Malaysian landscape and a village setting. The use of colour tones is also melancholy and reminiscent of childhood memories. Impressionism also influences this painting, as the artist frequently employs bright colours and light elements. In actuality, the artist is attempting to highlight the aesthetic value of the daily activities and routines of the rural community, translated and infused with his own style.

 

Saya dapat melihat karya catan ini mungkin bersifat peribadi dan berkait rapat dengan alam sekeliling asal pelukis. Dapat dilihat persekitaran artis membesar memberi pengaruh kuat terhadap catan ini. Bagi saya, karya catan ini menampilkan nilai estetik yang harmoni dan juga membawa penonton untuk menghargai dan meraikan nilai-nilai kesederhanaan dan sosial masyarakat luar bandar. Dapat dilihat suasana kampung yang dipenuhi pokok-pokok, pantai, sungai, gunung-ganang yang agak tenang berbanding kesibukan di kota. Mungkin catan ini juga boleh menjadi satu bentuk eskapisme bagi sesiapa yang hidupnya terbelenggu dek kesibukan kota dan hutan konkrit, di mana dengan melihatnya sahaja, memberi satu rasa ketenangan. Penghasilan subjek yang dipaparkan dalam bentuk kartun yang sering kita lihat dalam komik tempatan seperti Gila-gila, Ujang, yang suatu ketika dahulu juga merupakan sejenis gaya yang begitu dekat dengan masyarakat Malaysia, yang mana kini tidak lagi menjadi bacaan yang biasa kita lihat dalam generasi muda. Penampilan gaya kartunnya itu sendiri mengimbau memori dan nostalgia bukan sahaja terhadap keadaan desa atau kampung itu semata-mata malah terhadap bentuk bacaan komik yang menggunakan gaya dan tema sebegini pada era tahun 1990 an suatu ketika dahulu yang pernah menjadi satu bentuk hiburan yang digemari setiap lapisan masyarakat. Seperti karya Kampung Boy oleh Lat misalnya, di mana gayanya itu sendiri menjadi simbol atau ikon budaya dan sosial masyarakat kampung di Malaysia.

​

I can see that this painting may be personal and intimately connected to the artist's homeland. It is evident that the artist's upbringing had a significant impact on this painting. For me, this painting has a harmonious aesthetic value and also encourages the audience to appreciate and celebrate the rural community's simplicity and social values. In contrast to the bustle of the city, the village is filled with trees, beaches, rivers, and mountains that create a serene atmosphere. This painting may also be a form of escape for those whose lives are enslaved by the clamour of the city and the concrete jungle, as merely gazing at it induces a sense of tranquilly. The creation of subjects presented as cartoons, which we used to frequently see in the local comics such as Gila-gila, Ujang, etc is another type of style that is extremely close to Malaysian society but is no longer a common reading among the younger generation. The appearance of the cartoon style itself evokes memory and nostalgia not only for the state of the village or its society, but also for the form of comic reading that uses this style and theme in the 1990s era, which was once a form of entertainment that was loved by all levels of society. For example, in Lat's work Kampung Boy, his style becomes a symbol or cultural and social icon of the Malaysian village community.

​

​

REMINISCENT OF MEMORIES & LIFE MAKING

MENGIMBAU KENANGAN & MENCIPTA KEHIDUPAN

 

Write-up by Dzul Afiq Zakaria

 

Kamal Nawie

Reminiscent of Memories

Mengimbau Kenangan

​

        Kamal Nawie brings to life with his art piece titled "Village Life," the recollections of a young boy who grew up in the countryside in Kota Bharu, Malaysia. The scene depicts the boy sitting on a grassy hill while holding a traditional game against the backdrop of traditional houses, boats, and the lush natural landscape of the region. The foreground of the painting contains elements that represent the day-to-day life and culture of the villagers, such as a basket of fresh produce, a cooking pot over a fire, or a group of children playing a traditional game. The joy and the memories that the boy has from his time spent in the countryside are captured in the painting through the use of sentimental imagery and a style that is reminiscent of cartoons. The painting also captures the beauty and simplicity of life in the countryside.

​

     Kamal Nawie menghidupkan kembali nostalgia kenangan kehidupan kampung melalui karya-karya seninya yang mengusik hati mereka yang merindui zaman kanak-kanak melalui kenangan Kamal sebagai seorang anak muda yang dibesarkan di luar bandar di Kota Bharu, Malaysia. Pemandangan menggambarkan seorang budak lelaki yang sedang duduk di atas bukit berumput sambil memegang permainan tradisional berlatar belakangkan rumah tradisional, bot, dan landskap semula jadi yang subur di rantau ini. Latar hadapan lukisan mengandungi unsur-unsur yang mewakili kehidupan dan budaya seharian penduduk kampung, seperti bakul hasil segar, periuk masak di atas api, atau sekumpulan kanak-kanak bermain permainan tradisional menunjukkan kegembiraan dan kenangan yang dimiliki budak lelaki itu dari masanya dirakam dalam lukisan-lukisan Kamal melalui penggunaan imejan sentimental dan gaya yang mengingatkan kenangan melalui penggayaan kartun yang mengusik emosi dan perasaan sesiapa yang memerhatinya. Lukisan Kamal juga merakamkan keindahan dan kesederhanaan kehidupan di kawasan luar bandar.

​

Kamals paintings explore the theme of memory and nostalgia while also showcasing the beauty and cultural traditions of the countryside in Kota Bharu. His painting evokes a sense of longing for the simplicity and joy of life in the village while also highlighting the importance of preserving and honoring traditional ways of life. Kamal’s has many fond memories of the uncomplicated joys that came with village life when he was a child and grew up in the countryside. He is able to capture not only the splendor and history of the area but also the sentiment of longing that we experience when we reflect on our time spent in the countryside. His painting will resonate with others who have similar memories and experiences, and it will serve as a tribute to the rich cultural heritage of the village. Those who have an interest in the culture and traditions of Kota Bharu, Malaysia, as well as those who can relate to the theme of memory and nostalgia, will be able to appreciate the painting.

​

Lukisan Kamal meneroka tema memori dan nostalgia di samping mempamerkan keindahan dan tradisi budaya desa di Kota Bharu. Lukisannya membangkitkan rasa rindu terhadap kesederhanaan dan kegembiraan kehidupan di kampung di samping menonjolkan kepentingan memelihara dan menghormati cara hidup tradisional. Kamal mempunyai banyak kenangan indah tentang kegembiraan yang berserderhana dengan kehidupan kampung semasa Kamal kecil dan dibesarkan di luar bandar. Kamal dapat menangkap bukan sahaja kemegahan dan sejarah kawasan itu tetapi juga sentimen kerinduan yang kita alami apabila kita merenung masa kita di luar bandar. Lukisannya akan bersatu dengan sesiapa yang mempunyai kenangan dan pengalaman yang sama, dan ia juga dilihat sebagai penghargaan kepada warisan budaya kampung yang kaya. Mereka yang meminati budaya dan tradisi Kota Bharu, Malaysia serta mereka yang boleh mengaitkan dengan tema kenangan dan nostalgia, pasti akan dapat menghayati lukisan tersebut.

​

​

Sorfina Zulaikha

Life Making

Mencipta Kehidupan

​

        Sorfina Zulaikha is an exceptionally talented and hard-working artist who takes a unique approach to the pieces of art that she creates. Her artwork is also known for its originality. Her one-of-a-kind approach to the production of art involves the use of components of varying sizes and contours, all of which are composed of materials, to depict aspects of the natural world that are representative of the concept of "life." In contrast to more traditional mediums like pen and paper, she prefers to bring her ideas to life through the use of ceramics as a form of expression rather than more traditional mediums.

​

        Sorfina Zulaikha ialah seorang pengarca yang sangat berbakat dengan pendekatan unik dan asli terhadap karya seni arca yang ciptaannya. Pendekatannya yang unik terhadap penghasilan seni melibatkan penggunaan komponen saiz dan kontur yang berbeza-beza terdiri daripada pelbagai bahan untuk menggambarkan aspek alam semula jadi yang mewakili konsep "kehidupan. " Berbeza dengan medium yang lebih tradisional seperti pen dan kertas, Sorfina lebih berkecenderungan menghidupkan ideanya melalui penggunaan seramik sebagai bentuk ekspresi daripada medium yang lebih tradisional.

​

The primary medium that Sorfina applied in her sculptures is ceramics, but she also works with iron wire as a secondary medium. Her sculptures are composed of a variety of materials. Because the wire acts as a representation of the "life" that exists and "sticks" to the ceramic elements, this adds an additional layer of depth and interest to her work. Her work is more compelling as a result. This provides an extra layer of depth and interest to the work that she has done. Sorfina's use of this technique is evidence of her ability to experiment with a variety of mediums and to push the boundaries of what is considered to be traditional sculpture-making. In other words, Sorfina is pushing the boundaries of what is considered to be traditional sculpture-making. She takes a great deal of care to form and carve every component of her sculptures in a delicate and precise manner, ensuring that each piece is a genuine work of art in the process of doing so. In addition to the materials that derive from the ceramic industry.

​

Antara medium utama yang diaplikasikan oleh Sorfina dalam karya arcanya ialah seramik, walau bagaimanapun beliau juga berhasil dengan pengolahan dawai besi sebagai medium pada karyanya dan juga terdiri daripada pelbagai bahan. Anologi wayar yang bertindak sebagai perwakilan "kehidupan" yang wujud dan "melekat" pada unsur seramik ini menambahkan lagi lapisan kedalaman dan minat pada karyanya menjadikan ia lebih menarik. Sebagai tambahan kepada bahan-bahan asas seramik, penggunaan teknik oleh Sorfina adalah bukti keupayaannya untuk bereksperimen dengan pelbagai medium dan melangkaui sempadan apa yang dianggap sebagai pembuatan arca tradisional. Ketelitian dan perhatian bagi membentuk dan mengukir setiap komponen arcanya dengan cara yang halus dan tepat, memastikan setiap karya adalah karya seni yang tulen dalam proses pembuatannya.

​

Generally, the level of commitment and enthusiasm that Sorfina has for her work can be seen in each and every one of the pieces that she creates. Her sculptures are evidence of both her artistic talent and her commitment to her craft. This is evident from the intricate details that she carves into the surfaces of the ceramics as well as the variety of materials that she employs.

​

Secara umumnya, tahap komitmen dan semangat yang dimiliki Sorfina yang telah  menghasilkan karyanya dapat dilihat pada setiap karya yang dihasilkan olehnya. Karyanya adalah bukti bakat seninya dan komitmennya terhadap pembuatan karyanya yang unik. Ini terbukti daripada penilitian perincian rumit yang terpahat pada permukaan seramik serta pelbagai bahan yang digunakannya.

​

​

记忆所及之处

WHERE MEMORY REACHES

​

Write-up by: Liu Jie

liujie42918051@163.com , s2034795@siswa.um.edu.my

​

本次展览集合了Kamal Nawie创作的30幅水彩作品。从2016年起，他开始着手进行关于童年时期生活经历的研究与创作。本次展览是站在时间轴的某个节点，探讨人类成长历程中“遗失的美好”的话题。

​

This exhibition brings together 30 watercolors created by Kamal Nawie. Since 2016, he has been researching and creating artwork about his childhood experiences. This exhibition explores 'The Lost Beauty' of human growth, which stands a point in the timeline.

 

正如艺术家祝羽捷说的，“身份随着迁徙的步伐、地域的改变、人生的经历在不断变化，不同的地理和文化复杂交织出的混合身份成为人类进化过程中的独特现象。” Kamal作为一名出生于小渔村、求学于大都市的青年艺术家，他试图在复杂与艰辛的成人世界，寻找纯真与轻松的童年时光。

​

As artist Zhu Yujie said, "Identity changes with the pace of migration, geographical changes, and life experiences, and the mixed identities that result from the complex interweaving of different geographies and cultures become a unique phenomenon in the evolution of human beings." As a young artist born in a small fishing village and educated in a large city, Kamal seeks to find the purity and relaxation of childhood in a complex and challenging adulthood world.

 

Kamal的每一幅艺术作品，仿佛邀请观众进入到他的生命故事。Figure 1、Figure 2、Figure 3、Figure 4、Figure 5等艺术作品，艺术家将自己置于静谧的海上世界，劳作、漂浮、发呆、钓鱼、思考，没有任何人的打扰，全身心享受一个人的快乐时光。

​

Each of Kamal's artworks invites the viewer into his life story. With paintings such as Figure 1, Figure 2, Figure 3, Figure 4 and Figure 5, the artist places himself in the silence of the sea, working, floating, lazing, fishing and thinking, without any disturbance from anyone and enjoying a happy time alone with all his heart and soul.

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

 

 

从左至右分别是Fig1-Fig5

From left to right, Fig1-Fig5

 

Figure 6、Figure 7、Figure 8、Figure 9、 Figure 10、 Figure 11, 等艺术作品，记录了艺术家与家人、朋友相聚的每一个精彩瞬间，体现出人们尽情享受亲情和友情的幸福时光。

​

Figure 6, Figure 7, Figure 8, Figure 9, Figure 10, Figure 11, and other artworks record the artist's wonderful moments of gathering with family members and friends, reflecting the happy time of people enjoying intimacy and friendship.

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

 

 

从左至右分别是Figure 6至Figure 8

From left to right are Figure 6 to Figure 8

​

​

​

​

​

​

​

​

​

 

从左至右分别是Figure 9至Figure 11

From left to right are Figure 9 to Figure 11

​

Figure 12、Figure 13、Figure 14、Figure 15 等艺术作品，艺术家将自己定位为他者，记录了身边的老婆婆、老爷爷的日常生活，以及家乡花草树木等自然景物的真实状态。

​

Figure 12, Figure 13, Figure 14, Figure 15 and other artworks in which the artist positions himself as the Other, recording the daily lives of the grannies and old grandpas around him, as well as the actual situation of natural scenes such as flowers and trees in his hometown.

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

从左至右分别为Figure 12和Figure 13

From left to right are Figure 12 to Figure 13

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

 

从左至右分别为Fig14和Fig15

From left to right are Figure 14 to Figure 15

​

Kamal像是一个讲故事的人。他的作品结合了真实和虚构的元素，向观众讲述自己童年故乡的人和事。在Kamal的作品中，天空、海洋、渔船、植物等是常用的视觉元素，他以标志性的清新色调、优雅线条和细致笔触，构建出诱人的图景。作品中的人物形象，虽然保留着人的外形，但实际上他（他）们并不真正属于人间，更像是仅存在于回忆中的幻境。这些“人物”都保留着漫画中人物形象的天真童稚，这也反映出艺术家内心向往的那片净土，以及对童年无忧无虑时光的怀念和追忆。

​

Kamal is like a storyteller. His artworks combine real and fictional elements by telling the viewer about the people and events of his childhood homeland. The sky, the sea, fishing boats and plants are common visual elements in Kamal's artworks, and his signature fresh palette, elegant lines and meticulous brushwork build an inviting landscape. The figures in his work retain their human form, but they are not earthly, but more like visions that exist only in memory. These 'characters' maintain the innocence and childishness of the caricatured figures, reflecting the artist's inner longing for a pure land and the nostalgia and remembrance of a carefree and happy childhood.

 

Kamal的作品具有非凡的密度，即使是对一小部分作品仔细观赏，也需要更多的时间和空间。通过这些作品，观众可以深入了解他从哪儿来，他是如何被定位，以及他为何具有如此大的潜力。

​

Kamal's artworks have an extraordinary density that requires more time and space to view even a small selection of paintings closely. Through these artworks, the viewer can understand where he came from, how he was positioned, and why he has so much potential.

​

​

“โลก” ของผลงานศิลปะ : ศิลปินในฐานะนักปรากฏการณ์วิทยา

THE ROLE OF ARTWORKS IN REVEALING THE TRUTH OF EXISTENCE: ARTISTS AS PHENOMENOLOGISTS

 

Writeup by: นวภู แซ่ตั้ง (Nawapooh Sae-tang)

Edited by ChatGPT by OpenAI (English translation)

​

        คำถามที่ว่า “ศิลปะ คืออะไร” เป็นคำถามโบราณที่ยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่จนถึงปัจจุบัน แม้นิยามของมันยังมิได้ชัดเจนหรือเป็นที่สิ้นสุด แต่ผู้ที่ได้ชื่อว่าเป็น “ศิลปิน” ต่างก็พยายามทำความเข้าใจตลอดจนนิยามศิลปะในแง่มุมของตนเอง และถ่ายทอดออกมาเป็นผลงานศิลปะ ในอีกแง่หนึ่ง การพูดถึงนิยามมิใช่เพียงการถกเถียงเพื่อหาข้อสรุป แต่คือการค้นหาซึ่งสารัตถะของสิ่งนั้นๆ หรือที่มาร์ติน ไฮเด็กเกอร์ นักปรัชญาชาวเยอรมัน เรียกว่าเป็น “สัต” (being) ของสิ่งต่างๆ ในแง่นี้ นิยามของศิลปะมิใช่เพียงประเด็นทางศิลปะ แต่กลับเป็นประเด็นในทางภววิทยาอีกด้วย

​

        The question of "what is art?" has been debated for a long time and remains a subject of discussion today. While no definitive definition of art has been reached, many artists try to understand and define it through their works. However, defining something is not just about understanding it, but also finding its essence. Martin Heidegger, a German philosopher, referred to this essence as a "being." Therefore, the question of "what is art?" is not only a question in art history or art theory, but also a philosophical question related to the debate on ontology.

 

      ผลงานของ Kamal และ Sorfina แสดงให้เห็นถึงภาวะที่ศิลปินครุ่นคิดถึงความสัมพันธ์ระหว่างศิลปะกับประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปิน ทั้งสองอาศัยผลงานศิลปะในการพูดถึง “ชีวิต” และ “ความทรงจำ” ในแง่มุมที่แตกต่างกัน ผลงานของ Kamal อาศัยภาพการ์ตูน อันเป็นสิ่งหนึ่งที่สัมพันธ์กับความทรงจำของวัยเด็ก นัยดังกล่าวถูกเน้นย้ำด้วยภาพของเด็กที่ปรากฏอยู่ในผลงานเกือบทุกชิ้นราวกับเป็นสิ่งที่เชื่อมต่อระหว่างประสบการณ์ของศิลปินกับ “สาร” ของงานศิลปะ เราอาจอนุมานได้ว่า Kamal อาศัยความทรงจำส่วนตัวในวัยเด็กเป็นวัตถุดิบในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ภาพการ์ตูนของ Kamal สะท้อนวิถีชีวิตของคนท้องถิ่นที่มีลักษณะของความเป็นชนบทที่ดูจะแตกต่างออกไปจากบริบทของพื้นที่จัดแสดงอันวุ่นวายในกรุงกัวลาลัมเปอร์ “ความทรงจำ” อันเป็นเศษเสี้ยวส่วนหนึ่งของ “ชีวิต” ศิลปินผู้มีชีวิตวัยเด็กในรัฐกลันตัน แน่นอนว่าศิลปะมิใช่กระจกสะท้อนความเป็นจริง แต่ผลงานศิลปะต่างก็สัมพันธ์กับประสบการณ์ของศิลปินผู้ดำรงอยู่ในโลกของความเป็นจริง ปฏิเสธไม่ได้เลยว่า ผลงานการ์ตูนของ Kamal พยายามเชื่อมโยงผู้ชมเข้ากับความทรงจำในอดีตของศิลปิน และความทรงจำนั้นก็เปรียบเสมือน “สาร” ที่หลบซ่อนและแฝงฝังรอเวลาเผยตัวอยู่ในทุกอณูของผลงานเหล่านี้ ในขณะที่ Sorfina อาศัยงานเซรามิคสร้างเป็นส่วนประกอบของสิ่งมีชีวิต ไม่ว่าจะเป็นขอนไม้ ต้นไม้ หรือเห็ด ผลงาน ‘Living On’ และ ‘On the wilderness of dead tree’ แสดงออกถึงภาวะขัดแย้งระหว่างการ “มีชีวิต” และ “ไม่มีชีวิต” เมื่อเห็ดราจำนวนหนึ่งที่ขึ้นอยู่บนขอนไม้ที่ไร้ชีวิต แต่สิ่งที่ไม่อาจทิ้งไว้เบื้องหลังได้ก็คือ ทั้งหมดเกิดขึ้นจากสิ่งที่ไร้ชีวิต ซึ่งบันทึกเพียงความทรงจำของสิ่งที่ครั้งหนึ่งเคยมีชีวิต ผลงานของ Sorfina จึงบอกเล่าเรื่องราวของ “ชีวิต” และ “ความทรงจำ” ในอีกรูปแบบหนึ่งที่แตกต่างออกไปจาก Kamal แต่จุดร่วมของผลงานทั้งสองคือการพยายามหวนระลึกและตระหนักถึงสิ่งที่เคยมีอยู่ และถ่ายทอดประสบการณ์หรือความทรงจำเหล่านั้นออกมาในรูปแบบของผลงานศิลปะ

​

       The common theme in the works of Kamal and Sorfina is their attempt to commemorate and realize the past. Their results reflect how artists define art in their way by creating a relationship between art and their personal experiences. They use art to explore the themes of "life" and "memory" from different perspectives. Kamal's works use techniques like cartoon graphics, which evoke childhood, to communicate his childhood experiences. The figure of a boy appears in almost all of his works, possibly connecting the artist's experiences and the message of the works. As such, Kamal's works tend to depict life in rural areas, which is different from the context of the exhibition space in Kuala Lumpur. This may be connected to the artist's childhood in Kelantan. While the artwork is not a mirror that reflects the truth, it contains element of the artist's actual experiences. Kamal's works attempt to connect the audience with the artist's experiences, which are represented in his works.

​

      On the other hand, Sorfina's works were created using ceramic techniques. She used lifeless objects to represent living figures, such as trees and mushrooms. The works "Living On" and "On the Wilderness of Dead Tree" reflect the paradoxical relationship between "life" and "lifelessness." She depicted mushrooms on dead wood, which used to have life, raising the contradictory element of living and containing the memory that something used to live. Therefore, she depicted the story of "life" and "memory" differently from Kamal. However, the story of life in her works was created using lifeless objects, but they have been presented as another form of life.

​

    แม้ว่างานของศิลปินทั้งสองมิอาจพิสูจน์ได้ว่าเป็นกระจกสะท้อนความจริงหรือเป็นการเลียนแบบเศษเสี้ยวข้อเท็จจริงในอดีต แต่อย่างไรก็ตาม ผลงานเหล่านี้ก็เปิดเผยให้เห็นถึงแง่มุมของความจริงบางชุด ซึ่งในทัศนะของไฮเด็กเกอร์ สิ่งเหล่านี้คือความจริงของการดำรงอยู่ (truth of existence) อีกนัยหนึ่ง ผลงานเหล่านี้เผยให้เห็นถึง “โลก” (the world) ซึ่งเป็นความจริงที่อยู่ภายนอกตัวผลงานศิลปะ ผลงานของ Kamal เผยให้เห็นถึงโลกใบหนึ่งของเด็กท้องถิ่นในชนบท ที่เต็มไปด้วยวิถีชีวิตดั้งเดิม ในขณะที่ผลงานของ Sorfina เผยให้เห็นถึงโลกของสิ่งมีชีวิตขนาดเล็ก และความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งมีชีวิตและไม่มีชีวิต อย่างไรก็ตาม งานของ Kamal และ Sorfina คงมิใช่มีเจตนาให้เป็นเพียง “ภาพตัวแทน” ของสังคมชนบทหรือโลกของสิ่งมีชีวิต (ซึ่งเราไม่มีทางรู้ว่าสิ่งที่อยู่เบื้องหลังภาพตัวแทนนั้นๆ คืออะไร) หากแต่ผลงานเหล่านี้ยังเผยให้เห็นถึงโลกของคนท้องถิ่นและโลกของสิ่งมีชีวิตที่ทำให้เราตระหนักถึงความสัมพันธ์ระหว่างตัวมันเองกับสิ่งต่างๆ ไม่ว่าจะเป็นความสัมพันธ์ระหว่างคนรอบตัวและสิ่งแวดล้อมในท้องถิ่น หรือความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งมีชีวิตต่างๆ และสิ่งไม่มีชีวิต ในแง่นี้ ผลงานศิลปะจึงมิได้เป็นเพียงวัตถุที่บอกเล่าเรื่องราวของศิลปินหรือเป็นภาพตัวแทนของสิ่งใด แต่ ผลงานศิลปะมันเผยให้เห็นถึงความจริงที่อยู่ภายนอก ซึ่งก็คือ “โลก” ของคนท้องถิ่น และ “โลก” ของสิ่งมีชีวิตและไร้ชีวิต สิ่งเหล่านี้ถูกปิดบังไว้ผ่านวัตถุในการสร้างผลงาน หรือที่ไฮเดกเกอร์ใช้คำว่า “พื้นดิน” (the earth) ซึ่งก็คือกระดาษ สี และองค์ประกอบทางจิตรกรรมในกรณีของ Kamal หรือเซรามิกในกรณีของ Sorfina ไฮเดกเกอร์อธิบายว่าทั้ง “โลก” และ “พื้นดิน” ประทะ (strife) กัน ซึ่งเป็นการประทะระหว่างการปิดบังและการเปิดเผย อันเป็นเงื่อนไขสำคัญที่ทำให้ความจริงแสดงตัวของมันเองออกมาต่อการเข้าถึงของอีกฝ่าย หรือในที่นี้ก็คือผู้ชม ผลงานศิลปะจึงมีบทบาทในฐานะสิ่งที่เผยให้เห็นถึงความจริงของการดำรงอยู่ หรือในภาษาเรียกว่า Aletheia และในฐานะของผู้สร้าง ศิลปินจึงอยู่ในฐานะของนักปรากฏการณ์วิทยาผู้เผยความจริงของการดำรงอยู่ผ่านตัวผลงานศิลปะ

​

      While the works of art by Kamal and Sorfina may not depict the absolute truth, they still reveal certain aspects of reality, precisely the truth of existence, according to Heidegger. In other words, the artworks reveal "the world," which is the truth outside the artworks. Kamal's works reveal the world of life in rural areas, related to primitive ways of living. In contrast, Sorfina's works show the world of life in small spaces and the relationship between energy and lifelessness. Therefore, the artworks are not just representations of something, but they also reveal the truth of existence outside themselves - "the world" of local people and "the world" of life in small spaces. These elements are concealed by the materials used to create the works, which Heidegger referred to as "the earth," such as paper, colour, artistic elements, or ceramics. Heidegger believed that perceive the world, there must be between "the world" and "the earth," or a struggle between revelation and concealment. The final result is the reality of existence, which is revealed to the audience. In this sense, the artworks serve as objects of truth that tell the truth of existence, also known as "Aletheia" in Greek. The artist who creates the artworks is also a phenomenologist who reveals the truth of existence through the being of the works.

​

        อย่างไรก็ตาม “โลก” ของคนท้องถิ่น และ “โลก” ของสิ่งมีชิวิตและไร้ชีวิตในผลงานของ Kamal และ Sorfina จะมิอาจเผยตัวได้ถ้าขาดผู้ชม เพราะสุดท้ายแล้ว ความจริงในแบบนักปรากฏการณ์วิทยา คือความเข้าใจถึงโครงข่ายความสัมพันธ์ระหว่างตัวตนของมนุษย์ (Dasein) ที่ดำรงอยู่ท่ามกลางสิ่งต่างๆ รอบตัว (Being-in-the-world) ท่ามกลางการประทะกันระหว่างโลกกับพื้นดิน เราจะเข้าใจความจริงได้ก็ต่อเมื่อตระหนักถึงความสัมพันธ์ของตัวมันเองกับสิ่งต่างๆ ในฐานะของงานศิลปะ มิใช่ในฐานะของคุณสมบัติทางกายภาพของตัวมันเองโดดๆ (Ready to hand) จึงเป็นหน้าที่ของผู้ชมที่ต้องเข้าไปสัมผัสและค้นหาความจริงของการดำรงอยู่ ท่ามกลางการประทะทั้งในตัวผลงานศิลปะและการประทะกันระหว่างผลงานกับผู้ชมในชั่วขณะของการเข้าชม

​

       However, the worlds depicted in the works of Kamal and Sorfina would not be revealed without the presence of an audience. In a phenomenological sense, the truth can only be revealed in the relationship between "Dasein" (human beings) and other beings in the world, known as Being-in-the-world. In the struggle between the world and the earth, we can only perceive the truth if we realize it in the relationship between the artworks and other things around us (ready-to-hand). Therefore, it is the responsibility of the audience to go and see the artworks and engage in the struggle between the artworks and the audience in order to fully understand and experience the truth revealed by the artworks.

​

​

MINI PRINT SEBAGAI JEMBATAN (Seputar pengorganisasian, ide-ide dan perencanaan even seni cetak grafis).

MINI PRINT AS PLATFORM

​

Write-up by: Syahrizal Pahlevi

spahlevi@yahoo.com

​

Penyelenggaraan Pra Biennale-Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) di tahun 2013 menjadi jembatan menuju ide-ide dan penyelenggaraan even-even berskala internasional setelahnya, yaitu: “Jogja International Miniprint Biennale (JIMB)” tahun 2014 dan 2016, “Relation in Print” 2014 dan 2016, “33 Prints #1” tahun 2015, “Multiple #1” tahun 2016  dan rencana penyelenggaraan “33 Prints #2 & Teras Print Fair” di tahun 2017 yang akan datang. Penyelenggaraan even pameran mini print menjadi jembatan dalam pergaulan dengan para seniman dan komunitas seni grafis khususnya di berbagai belahan dunia. Gagasan dan ide-ide dalam mini print bekerja dengan sendirinya dan menjadi penghubung atas gagasan dan ide-ide yang melampauinya. Ide-ide bermunculan sebagai sebab-akibat, karena kebutuhan dan berbagai alasan yang semula tidak atau belum terpikirkan sama sekali.

​

Antara kebutuhan akan hadirnya even berskala internasional, berkala dan berkesinambungan, keterbatasan fasilitas, minimnya dukungan dan sumber daya manusia, hasrat yang kuat agar terjalin link dan komunikasi yang intens dengan pegrafis di berbagai belahan dunia, harapan agar perkembangan seni grafis di tanah air semakin bergairah dan terpacu serta keyakinan bahwa apa yang diperbuat adalah hal positif dan bermanfaat menjadi pemicu dan dorongan bagi TERAS Print Studio selaku motor utama dalam pengorganisasian untuk menjaga semangat dalam bekerja. TERAS Print Studio tidak  bekerja sendirian, ia didukung TERAS Management selaku pelaksana di lapangan dan personil lain baik individu maupun yang berada dalam lembaga yang telah bersedia membantu. Tentu peran seniman sendiri sangat besar karena tanpa pertisipasi seniman berbagai kegiatan yang digagas tidak akan dapat terwujud:

​

Pra Biennale-Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) 2013 adalah “even pemanasan” guna melihat sambutan perupa dan publik sebelum merencanakan sebuah even berkala dua tahunan yang akan berlangsung kontinyu di masa-masa selanjutnya.

​

Cuplikan pengantar di booklet Pra Biennale_JIMPF 2013: Pra Biennale – JOGJA INTERNATIONAL MINI PRINT FESTIVAL (JIMPF) 2013 is planned as a different kind of event and as the start a new art tradition in Yogyakarta. The Festival is also meant to stimulate Jogjakarta printmakers to become more actively involved in printmaking on a global scale..............................

​

The Pra Biennale-JIMPF 2013 is conceived as a ‘warm up’ event to be carried out before the long awaited the First Jogja International Mini Print Biennale (JIMPB) 2014 which is scheduled to take place in 2014.  As a pre-event or ‘Pra-Biennale’ JIMPF 2013 is quite ambitious. The original goal was to attract at least 100 participants, 20 from abroad and 80 from Indonesia, but registration has already exceeded that target. As of the 15 October registration deadline and before this brochure was printed more than 130 artists had registered including about 30 international participants from Australia (5), the US (3), Europe (2), Mexico (1), Malaysia (5), Philipina (18)  and Indonesian artists from Jakarta, Bandung, Surabaya, and Bali. The most popular category with the largest number of participants is the Mini Print Exhibit though participants have also registered for conferences, technical demonstrations, and performance art. The workshops are being organized by the individual studios conducting the workshops and enrolment data is available from the studios themselves......................................... 

​

Why mini prints? Mini prints are unpretentious works of art and although small (most are 20cm x 25 cm or even smaller) their significance should not be underestimated. In the practice of printmaking itself mini prints are an intimate expression. Precisely through this small format printmakers can focus their attention and explore in detail the rich traditions of printmaking. Many printmakers began their careers with mini-prints and many have continued to work in this format while also exploring other techniques and formats. Thus in the history of printmaking mini-prints have always had a place. The richness of this format can be seen from the works submitted to the main mini print exhibit including techniques such as Etching, Aluminium Etching, Drypoint, Aquatint, Solar Plate Etching, Sugarlight, Mezzotint, Ala poupe Etching, China Colle, Carborundum, Blind Embosing, Woodcut, Reduction Woodcut, Linocut, Collagraph, Mokuhanga, Stone Lithography, Aluminium Lithography, Kitchen Lithography, Monotype, Monoprint, Photo Intaglio, Stencil, Silk Screen, as well as combinations of various techniques................................................

 

JIMPF 2013 is a printmaking event which will prepare artists and the public for future activities. The goal of JIMPF 2013 is to ensure that participants, the organizers, as well as the public are ready –physically and mentally - for a new tradition, the Jogja Mini-Print Biennale.........................................”

​

​

 

 

 

 

 

 

​

​

​

     

​

 

FOTO 1 Pra Biennale-JIMPF 2013 (Foto dokumen JIMB)

 

        Tak pelak, JIMPF menjadi cikal bakal lahirnya Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) yang telah berlangsung 2 kali: tahun 2014 dan 2016. Even pertama bernama 1st JMB (Jogja Miniprint Biennale, belum ada penambahan kata “International”).

​

       Cuplikan pengantar di katalog 1st JMB 2014 (atau 1st JIMB): “Despite the challenges and limitations the first Jogja  Miniprint Biennale (JMB) 2014 is being presented to the art loving public in Yogyakarta. It is our commitment to improve and widen the scope of our activities for the general public. An event like JMB 2014 is one of several activities which we have already carried out or are planning, including workshops, ‘mini-residencies” which began in 2014, as well as other exhibitions. In 2013 we presented the Jogja International Mini Print Festival (JIMPF) which exhibited 460 works by 167 printmakers and was a pre-event to the Jogja Miniprint Biennale (JMB 2014)..................................................................

​

       The long-held desire for Yogyakarta to host a periodic printmaking event which would not only exhibit high quality print work but would also serve as a forum for printmakers from all over the world is finally being realized. Minimal infrastructure and low levels of in-country support, as frequently expressed by printmakers, makes it important to hold regular events like JMB 2014 which will increase the confidence and spirit of Indonesian printmakers. The miniprint format is an alternative, a challenge, and a bridge to realize these ideas, both from the artist’s as well as the organizer’s perspective. The reason is that the miniprint format has a number of practical aspects related to distribution and handling although the meaning and quality of the works produced are always paramount.       ....................................................................”

 

      1st JIMB diikuti oleh 72 peserta terseleksi dari 23 negara dengan karya sebanyak 140 buah. Jumlah ini merupakan seleksi dari 167 pendaftar dari 27 negara dengan jumlah karya sebanyak 465 buah. Terlihat ada peningkatan jumlah peserta dan jumlah negara yang berpartisipasi dalam bienal pertama ini. 1st JMB ini juga menghasilkan 3 pemenang karya terbaik yang diraih oleh 2 seniman dari

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

 

 

 

FOTO 2. 1st JMB 2014, para pemenang 3 karya terbaik dari kiri: Lidija Antanasijevic/Serbia, Deni Rahman/Indonesia dan Agugn Prabowo/Indonesia (Foto dokumen JIMB)

​

         Ditengah proses pelaksanaan 1st JIMB ini muncul gagasan membuat even 33 PRINTS di tahun 2015. Even ini adalah tindak lanjut dari pelaksanaan 1st JIMB agar masyarakat pencinta seni grafis di Yogyakarta khususnya tetap terjaga perhatiannya terhadap even dan berkesempatan berdialog dengan lebih intens lagi dengan lebih banyak karya dari para pemenang.

​

Cuplikan pengantar di katalog 33 PRINTS 2015: ““33 Prints” Exhibition presents 33 prints on paper from 3 artists who won International Exhibition, The 1st Jogja Miniprint Biennale(JMB) in June 2014. Those three artists’ works:Agung Prabowo(AGUGN)/Bandung, Indonesia; Deni Rahman/Yogyakarta, Indonesia and Lidija Antanasijevic/Serbia, UK were chosen as Three Best Works out of 140 mini print works from 72 finalists who come from 23 countries. In this 3 artists’ exhibition, art public  do not only see mini-sized printworks but also bigger printworks or medium-sized prints.

​

We plan “33 Prints” Exhibition will be a tradition of Jogja Miniprint Biennale in the future in which every winner, with their new works, has to join a group exhibition in following years.The number “33” represents number of works and it will be the eligibility. Therefore each winner of “Three Best Works” must prepare 10 new works to be exhibited with the work which was chosen as a winner. We hope that this tradition will stimulate creation, enhance art climate of art prints and make art prints more sustainable.......................................”

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

​

FOTO 3. Pembukaan 33 PRINTS 2015 (Foto dokumen JIMB)

 

        Sebelum muncul ide membuat 33 PRINTS, terlebih dahulu dilaksanakan pameran Relation In Print #1 pada Oktober 2014 yang sasarannya untuk mengakomodir karya-karya tidak lolos seleksi, karya yang didiskualifikasi karena perihal teknis dan karya terlambat datang dalam even 1st JMB 2014. Panitia merasa perlu melakukan hal ini karena menyadari bahwa bienal yang  memiliki kuota terbatas, seleksi ketat dan kriteria-kriteria khusus tentu tidak dapat sepenuhnya mewujudkan harapan panitia dalam menjalin seluas mungkin hubungan antar pegrafis baik di dalam negeri maupun manca negara. Relation In Print #2 dilaksanakan pada tahun 2016.

​

Kutipan surat undangan kepada peserta pameran Relation In print #2: “Dear Printmakers,

We understand the most important thing behind the international event such as The 2nd JIMB 2016 which applies open call and selection process, is to create links and broad relationship with all participants and parties. The selection result is a separate process that should be respected in order to maintain credibility of the event.

​

However the works submitted often amaze the committee and cannot be maximally accommodated by the biennial due to some factors: the jury’s subjectivity, the theme and criteria applied, the limited quota, the disqualification due to technical problems and the late arrival of the works when the selection process starts.

​

Therefore the exhibition “RELATION IN PRINT #2” is held to give a chance to public to see other works which are worth being appreciated. The selection was fully done by the committee and in coordination with competent source based on the works which did not pass the selection process, the late arrival of the works and Jogja Miniprint Museum collection as addition. As “side event”, the exhibition will be held at the same time as The 2nd JIMB but at different venues.............”

​

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

FOTO 4.  Relation In Print #1, 2014 (Foto dokumen JIMB)

​

        Lingkaran biennale miniprint telah dimulai. Bienal yang kedua atau The 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2016 harus segera dipersiapkan. “MULTIPLE #1” muncul dan menjadi alternatif bagi panitia dalam mensosialisikan even kepada seniman dan publik dan dalam rangka mencari dukungan termasuk pendanaan awal. Even ini dilakukan secara serempak di 10 venue/art space di Yogyakarta pada tanggal 22 sampai 28 Januari 2016 atau sekitar 4 bulan sebelum pembukaan 2nd JIMB 2016.

​

Kutipan dari Press Release Multiple #1: “Multiple adalah keniscayaan dari media seni cetak grafis yang bisa dioptimalkan sedemikian rupa guna kembali menegaskan eksistensi seni cetak grafis di tengah medan seni rupa dewasa ini. Multiple bermakna “dapat digandakan” dimana dalam seni cetak grafis diterapkan dengan proses teknik yang menghasilkan image-image tercetak yang disebut edisi. Adanya edisi dalam seni grafis adalah keunikan, kekuatan dan “berkah” yang harus dinikmati baik oleh pegrafis setiap kali ia mencetak karyanya maupun oleh penikmat di setiap edisi yang ditatapnya.

​

“Multiple #1” adalah bazar, penjualan “cash & carry” karya-karya seni grafis beberapa seniman Yogyakarta dalam format mini dengan ukuran kertas tidak lebih dari A4. Tiap karya dijual dengan harga khusus kisaran antara Rp. 100.000 sampai Rp. 250.000 untuk edisi cetak yang dibuat antara 5 sampai 50. Bazar ini memanfaatkan sifat multiple dalam karya grafis dimana pengunjung akan menjumpai banyak karya  yang sama dengan harga yang juga sama di tiap tempat secara serentak hanya saja berbeda nomor edisinya............

​

Bazar karya mini print dan sosialisasi 2nd JIMB dilakukan agar minat masyarakat terhadap karya seni grafis semakin bertumbuh dan calon peserta mendapatkan gambaran atas even yang akan mereka ikuti.........................”

​

​

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

​

FOTO 5. Banner MULTIPLE #1, 2015 (Foto dokumen JIMB)

​

         Pada tanggal 24 Mei sampai 10 Juni 2016 pameran The 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) dilaksanakan. Even ini diikuti oleh 77 seniman dari 28 negara dengan 110 karya terseleksi. Ada perubahan komposisi juri dari bienal pertama, ada tema untuk pedoman peserta, ada tambahan peserta tamu dan peserta presentasi khusus serta ada penambahan pemenang karya unggulan diluar 3 pemenang karya terbaik sebagaimana bienal pertama.

​

Cuplikan pengantar di katalog 2nd JIMB:“ The Yogyakarta Mini- Print Biennale is designed to show that printmaking is always open to current issues in art and social life. The chairperson of the JIMB 2016 jury is artist and gallery owner Agung “Leak “Kurniawan. Members of the jury include printmaker and lecturer Andang Suprihadi P and curator and lecturer A. Sudjud Dartanto. The jury members enjoy substantial reputations in Indonesia and in the international art community. Changes in the composition of the jury, open and frank debates about the types of printmaking techniques which should be accepted in the Biennale, and discussions about whether or not a theme for the Biennale is necessary are all routine agenda items at JIMB jury meetings. The Jury agreed on the theme “Homo Habilis” (the ‘handy man’. In pre-history, a cultured primate or proto-human and the first documented proto-human to use tools) to accompany our question: “How far does contemporary art and contemporary life underappreciate ‘the strength and miracle of the hand’?” It was also agreed by the jury that in the second Biennale work could be submitted using four conventional printmaking techniques: relief printing (woodcut, linocut, rubber cut, collagraph), intaglio (etching, drypoint, photo etching, aquatint, mezzotint), planograph (lithography), and serigraphy (silk screen and stencil)..........................

​

After extending the deadline several times in order to provide sufficient time for  submissions from abroad to reach the Organizing Committee, selection was carried out on 24 April 2016 at Kebun Bibi, an art space in Jl. Minggiran, Yogyakarta. From a total of 167 artists from 32 countries who initially registered, a total of 331 works by 147 artists from 30 countries were received by the Committee and included in the selection process. Others withdrew from consideration, did not submit work as initially indicated, or their work did not reach the Committee in time. Results of the final selection comprised a total of 77 artists: 28 from Indonesia and 49 from 27 foreign counties including Australia, Austria, Argentina, Belgium Brazil, Bulgaria, Finland, Hungary, India, Ireland, Italy, Japan Germany, Canada, France, Peru, Poland, Croatia, Malaysia, Mexico, Montenegro, Russia,  Serbia, Sweden, Ukraine, the United Kingdom, and the United States. One hundred and ten works were selected for inclusion in the 2nd Jogja International Miniprint Biennale (JIMB) 2016............

​

In order to take account of the latest issues in the world of printmaking, JIMB 2016 has invited five guest artists, two Indonesian and three international artists, including one of the winners from the first JIMB 2014 to participate in JIMB 2016. The artists were chosen because of their international reputations, important contributions as printmakers, introduction of popular technical innovations, or widely acknowledged dedication to printmaking. A special exhibit is also scheduled: Seven Indonesian artists have been invited to show their work in a dynamic presentation titled “From Traditional to Digital”. It is hoped that these new features will create greater interest in and attract more members of the public to the Biennale..........................................”

​

​

​

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

FOTO 6.  Cover depan katalog 2nd JIMB 2016 (Foto dokumentasi JIMB)

​

         33 PRINTS #2 dan TERAS PRINT FAIR 2017. Even ini akan memamerkan 33 karya dari 3 pemenang karya terbaik 2nd JIMB 2016 yang kebetulan diraih oleh pegrafis dari manca negara semua (Bulgaria, Kanada dan Italia) berbarengan dengan pelaksanaan mini art fair untuk karya-karya cetak grafis baik konvensional maupun kontemporer dari Indonesia dan kemungkinan dari mancanegara. Art fair ini masih bersifat uji coba dalam melihat antusiasme publik dalam mengoleksi  karya grafis, Bila nanti art fair semacam ini dibutuhkan, bukan tidak mungkin akan dibuat berkala sebagaimana even JIMB yang diupayakan dapat berlangsung kontinyu, ditengah berbagai kendala yang harus dihadapi panitia. Semoga.....

​

33 PRINTS #2 and PATIO PRINT FAIR 2017. This event will exhibit 33 works from the 3 winners which showed the best works of the 2nd JIMB 2016 which happened to be won by graphic artists from Bulgaria, Canada and Italy, along with the implementation of a mini art fair for graphic print works both conventional and contemporary from Indonesia and possibly from abroad. This art fair is still a trial in seeing the public's enthusiasm in collecting graphic works, If later this kind of art fair is needed, it is not impossible that it will be made periodically as the JIMB event that is sought to take place continuously, amid various obstacles that must be faced by the committee. Hopefully.....